CULTURE etc.

Orage, ô désespoir ! (Take shelter, de Jeff Nichols)

2012-01-03T14:06:00.000+01:00

Le ciel se désagrège. Il pleut des larmes de pétrole. Nous n’en avons plus pour longtemps, une tornade approche. Curtis Laforche se réveille, mais notre répit ne sera que de courte durée : ce mauvais rêve est le premier d’une longue série dans laquelle Take shelter nous immerge sans préambule. Ouvrier dans le Midwest, Curtis (le plus que parfait Michael Shannon, déjà très inquiétant en flic borderline dans Boardwalk Empire) est un homme comblé : une épouse attentionnée et magnifique (Jessica Chastain), une petite fille sourde mais bientôt opérée et un boulot stable qui offre même une mutuelle. "Tu as une belle vie, constate son meilleur ami, et c’est le plus beau compliment que l’on puisse faire à un homme." Mais les cauchemars s’aggravent et Curtis évolue dans un état second permanent. Il en est persuadé, la fin du monde – le sien du moins – est proche. Curtis se mure, au sens propre, dans le silence : délaissant patron, femme et enfant, il s’installe dans son jardin et se lance dans la construction forcenée d’un abri à tempête, quitte à dilapider les économies familiales.

Jessica Chastain est bouleversante en épouse déboussolée par une âme sœur qu’elle ne reconnaît plus. Et Shannon, séduisant et menaçant, endosse avec ambiguïté ce rôle taillé pour lui. Ces deux-là ne surjouent jamais, parce qu’ils sont doués et parce que Jeff Nichols est un grand minutieux. Pas une ligne de scénario en trop, pas une approximation dans la mise en scène qui se cantonne à l’essence des gestes, des mots et des regards et emprunte avec parcimonie aux codes du drame familial, du thriller psychologique et des films catastrophes. A voir Curtis devenir l’esclave de ses angoisses, on se dit tout simplement qu’il est fou. Mais Nichols ne tranche pas et l’idée qu’il soit en vérité le prophète incompris d’une Amérique en sursis subsiste jusqu’à la fin.

TAKE SHELTER, de Jeff Nichols (en salles le 4 janvier)

Article publié dans Alibi #4

Prix littéraires : que vaut la cuvée 2011 ?

2011-12-22T15:08:00.002+01:00

En principe découvreurs de talents, les jurys littéraires consacrent parfois de vrais nanars. Revue en détail de leurs dernières trouvailles.

Prix Renaudot : fascinant
Petite frappe en Ukraine, valet de chambre à New York, dandy écrivain à Paris, soldat dans les Balkans devenu leader d’un parti ultranationaliste russe… Le « vrai » Edouard Limonov a des allures de salaud mais « se prend pour un héros ». Emmanuel Carrère a fait de ce destin hors-norme un roman hors du commun, LIMONOV (P.O.L.) et signe le texte le plus éblouissant de la rentrée littéraire.

Prix Femina : excitant
Jayne Mansfield voulait être une icône, détrôner Marilyn. Elle qui aimait les « entrées flamboyantes » finira à 34 ans encastrée dans un semi-remorque au volant d’une Buick bleu métallisé. De ce matériau fascinant et tragique Simon Liberati a tiré JAYNE MANSFIELD 1967 (Grasset), un portrait peu réglementaire de l’actrice, bombe sexuelle devenue bête de foire, mais aussi de cette fin des sixties à l’heure du désenchantement. Une réflexion sur les vertiges de la gloire on ne peut plus d’actualité.

Prix de Flore : intriguant
DU TEMPS QU'ON EXISTAIT (Grasset) est le premier roman mélancolique d’un gamin de 19 ans, Marien Defalvard, suffisamment audacieux pour jouer les mini Proust et se glisser dans la peau d’un quinquagénaire homosexuel et dépressif se remémorant ses souvenirs d’enfance. L’écriture est bourgeoise, surannée, mais souvent envoûtante. Un auteur inégal mais diablement prometteur.

Prix Goncourt : fatiguant
Premier roman touffu d’un scientifique discret, Alexis Jenni, L’ART FRANÇAIS DE LA GUERRE (Gallimard) n’a rien d’un traité de stratégie militaire. On y suit les destins croisés d’un peintre vétéran des guerres coloniales françaises, Victorien Salagnon et du narrateur, un jeune Lyonnais « en voie de marginalisation volontaire ». Tous les ingrédients d’un grand roman d’aventure étaient réunis dans ce pensum complexe, malheureusement trop long et désagréablement emphatique.

Prix Médicis : agaçant
Dans les années 70, Mathieu Lindon a passé une partie de sa jeunesse à squatter le salon du philosophe Michel Foucault, rue de Vaugirard, en compagnie de jeunes écrivains amateurs de garçons, de grande musique et de LSD. CE QU'AIMER VEUT DIRE (P.O.L) est le récit décevant de cette époque insouciante. Malgré une belle réflexion sur la transmission, ces mémoires parfois à la limite du compréhensible manquent d’élégance pour rendre à l’un des plus grands penseurs du XXe siècle l’hommage filial qu’il méritait.

Publié dans Be en novembre 2011

Port épique (Le Havre, d’Aki Kaurismäki)

2011-12-19T21:04:00.001+01:00

On n’avait pas eu de nouvelles d’Aki Kaurismäki depuis 2006 et LES LUMIÈRES DU FAUBOURG, dernier volet de sa magnifique mais quasi désespérée "trilogie des perdants". Le Finlandais misanthrope nous revient d’excellente humeur avec Le Havre, utopie politique enchanteresse tournée dans l’hexagone.

Ecrivain reconverti dans le cirage de chaussures, Marcel Marx (le trop rare André Wilms) manie avec autant de plaisir l’imparfait du subjonctif et la brosse à reluire, filoute à l’occasion et maîtrise l’art du carapatage quand 22, vlà les flics ! Un jour, alors qu’il déjeune sur le port, il assiste à l’ouverture par la police d’un container plein d’Africains et à la fuite d’un enfant. Idrissa (Blondin Miguel et son beau visage mélancolique) comptait rallier l’Angleterre où réside déjà sa mère et Marx, qui n’a pas le cœur à rester seul – son épouse, la douce Arletty (Kati Outinen) vient d’être hospitalisée – se fait un devoir de l’aider à traverser la Manche. Débute alors une partie de cache-cache avec le troublant commissaire Monet (excellent Jean-Pierre Darroussin).

L’addition pauvreté ouvrière + clandestins + cancer donnerait lieu chez beaucoup à un réquisitoire politique outré et une prise en otage sentimentale du spectateur. Pas chez Kaurismäki qui livre une petite merveille de subtilité et d’humour. Sur le plan formel, le réalisateur se montre particulièrement inspiré, donnant à la ville du Havre des petits airs d’Helsinki tout en réinterprétant de façon anachronique un contexte purement français : alors que le blabla sur l’identité nationale nous ancre froidement au XXIe siècle, les personnages évoluent dans des décors archétypaux des années 60. L’heure est grave, mais les petits futés fantasques triompheront toujours de la bêtise des autres, nous dit Kaurismäki, pour l’instant réconcilié avec ses semblables. La lucidité n’empêche pas la poésie.

LE HAVRE, de Aki Kaurismäki (En salles le 21 décembre)

Article publié dans Alibi

Girls band (Les Morues, de Titiou Lecoq)

2011-12-12T16:23:00.000+01:00

Ema, journaliste trentenaire et célibataire convaincue, a une devise : si la réalité t’agace, envoie la balader. Ses vieux potes lui reproche son immaturité ? Elle se trouve une nouvelle bande, "les Morues", des filles imprévisibles et libres comme l’air. Son plan cul exige une vie de couple officielle ? Elle le largue. Une vie insouciante qui prend fin avec le suicide de Charlotte, son amie d’enfance à qui elle n’adressait plus la parole…

Le titre et les premières pages sont trompeurs. Si Titiou Lecoq – journaliste et blogueuse – emprunte aux codes de la "chick litt", c’est pour restituer avec un humour ravageur les préoccupations on ne peut moins existentielles de ses héroïnes, des Parisiennes un peu snobs dont les attachantes personnalités se révèleront au cours d’une enquête inattendue dans le milieu politico-financier.

Trépidant dans son volet polar, sensible lorsqu’il raconte l’énergie dépensée par les femmes pour préserver leur indépendance, LES MORUES dresse le portrait insolent d’une époque sans mode d’emploi. Un excellent premier roman *.

LES MORUES, de Titiou Lecoq (Au Diable Vauvert)

* Et le cadeau de Noël idéal pour une copine intello-girly (comme on dit dans la presse féminine), célibataire ou rêvant de l'être, branchée mais pas trop... Une fille cool quoi.

Publié dans Be en octobre 2011

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L'Amérique KO debout (Sonny Liston était mon ami, de Thom Jones)

2011-12-03T23:18:00.001+01:00

Tonitruant et bagarreur, le style du génial nouvelliste Thom Jones est encore méconnu de notre côté de l’Atlantique. Plus pour longtemps.

Si Jones avait un père spirituel, ce serait Raymond Carver. Ces deux géants discrets des lettres américaines partagent une allergie au lyrisme, un don pour l’écriture au format court et une tendresse sans illusion pour les accidentés de la vie.

S’il était un paysage, ce serait une plaine du Middle West traversée par une Mustang cabriolet bleu nuit : un décor aride où subsiste néanmoins l’espoir de croiser quelque chose d’aussi sublime que les corps aguicheurs des anti-héroïnes Sophie Western ou Molly Bloom.

S’il était un film, ce serait un ovni au croisement d’Apocalypse now et de Fight club, qui s’interrogerait sur la masculinité moderne. Dans Sonny Liston était mon ami l’ado boxeur comme le vétéran du Vietnam se cherchent après avoir déposé les armes.

S’il était une bande-son, ce serait Waiting for the sun, le troisième album des Doors sorti en pleine guerre d’Indochine. Une bouffée d’optimisme dans ce monde de brutes impitoyablement dépeint par Jones.

Sonny Liston était mon ami, de Thom Jones (Albin Michel)

Portrait chinois publié dans Be en novembre 2011

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Permis à poings pour Winding Refn

2011-10-05T11:42:00.002+02:00

Prix de la mise en scène à Cannes, DRIVE du danois Nicolas Winding Refn est un chef d’œuvre du cinéma mainstream. Embarquement pour le L.A. noir sur fond de musique eighties aux côtés d’un Ryan Gosling subjuguant : frissons garantis.

A Cannes, on lui aurait bien décerné la Palme d’or, mais Nicolas Winding Refn n’a quitté la Croisette qu’avec le prix de la mise en scène, ce qui n’est déjà pas si mal : ce n’est pas tous les ans qu’une série B se voit ainsi sacrée. Que grâce soit donc rendue au président du jury Bobby de Niro, et à l’audacieux délégué général du festival Thierry Frémaux qui osa placer ce joyau du film de genre en compétition.

DRIVE, c’est donc l’histoire "d’un homme qui écoute des chansons pop dans sa voiture parce qu’elles lui permettent de se libérer de ses émotions". C’est en tout cas ainsi que le réalisateur danois exposa les faits à l’acteur Ryan Gosling dans la voiture qui le raccompagnait à son hôtel de Los Angeles. Les deux hommes sortaient d’un dîner où ils ne s’étaient pas dit grand chose et le pauvre Gosling – qui avait lui-même proposé aux producteurs de contacter Winding Refn – commençait à douter de son intuition quand les trémolos de REO Speedwagon emplirent l’habitacle. Le Scandinave silencieux (dont l’humeur bougonne n’était en réalité due qu’à un mauvais rhume) entama, de tête, la kitchissime ballade "I can’t fight this feeling anymore". L’entente fut scellée. Un chef d’œuvre était sur les rails.

Nicolas Winding Refn

L’anecdote aurait moins d’intérêt si la bande originale aux sonorités eighties revigorantes ne constituait pas le fil rouge de ce road movie citadin électrisant. Gosling (HALF NELSON, BLUE VALENTINE) incarne un cascadeur automobile taiseux dont on ignore tout, employé à temps partiel par la pègre comme chauffeur de taxi post-braquages. Le Driver réduit les rapports humains à leur strict minimum et quand il établit le contact, c’est à coup de poings ou de marteau. "Nightcall", la complainte électro de Kavinsky, semble lui coller à la peau : "There’s something inside you / It’s hard to explain / They’re talking about you boy / But you’re still the same". Un choix musical judicieux qui au lieu de souligner la sociopathie de notre homme, l’enveloppe d’une irrésistible aura de mystère.

Car DRIVE, comme tous les films de Winding Refn, explose d’une violence à faire valser les estomacs. La trilogie PUSHER, sombre et fascinante immersion dans les petites histoires de familles de dealers de Copenhague, ouvrit la voie au genre du "film de bas-fonds scandinave". BRONSON dépoussiéra celui du huis-clos carcéral dans la cellule d’un détenu accro à sa prison, enchaînant les délits pour éviter sa libération. Quant au mystique et envoûtant GUERRIER SILENCIEUX, il nous offrit une claque esthétique à travers un hallucinatoire voyage chez les vikings, à l’époque des combats à mains nues entre chefs de clan. Finalement, DRIVE n’est que la suite logique de cette galerie de portraits virils.

Fils d’une photographe et d’un monteur, Winding Refn a bouffé de la pellicule dès l’enfance (dont Massacre à la tronçonneuse, qui lui fit découvrir "à quel point le cinéma pouvait se rapprocher de l’art"). En vrai cinéphile, il est l’un des rares réalisateurs à reconnaître "s’appuyer les films des autres " pour faire les siens : BULLIT, de Peter Yates, LE SOLITAIRE de Michael Mann, LE POINT DE NON-RETOUR de John Boorman, ou encore les films de la blaxploitation.

DRIVE est son premier film "américain", une œuvre de commande adaptée d’un très court roman de James Sallis. D’autres auraient encaissé le chèque et livré un produit standard. Lui s’est creusé la tête jusqu’à trouver le secret de fabrication d’un film d’auteur et de genre sincère, dans un cahier des charges hollywoodien. La grande classe.

Lire la critique de DRIVE

Article publié dans ALIBI

Un baiser, des coups de latte (DRIVE, de Nicolas Winding Refn)

2011-10-05T11:23:00.001+02:00

"Un baiser, des coups de latte." Alain Bashung ne figure pas au générique de DRIVE, mais ses paroles résument on ne peut mieux la philosophie du héros anonyme et mutique de ce road movie électrique. Cascadeur automobile le jour, le Driver (Ryan Gosling, érotisé comme jamais) joue les taxis pour braqueurs une fois la nuit tombée. Son regard bleu acier ne cille qu’au contact d’un volant, jusqu’à sa rencontre avec une frêle voisine aux traits soucieux : Irene (la très peu palpitante Carey Mulligan) a un gamin à charge, un mari sorti de taule et des mafieux aux trousses….

Scénario minimaliste, forme primant sur le fond… DRIVE est un exercice de style réussi reposant sur la performance de Gosling. Cure-dent au coin de la bouche, à moitié rassurant dans son trop petit blouson brillant, l’acteur crève l’écran. Nicolas Winding Refn est un maître du montage sportif et le rythme de son film – calqué sur une bande-originale excitante – ne faiblit presque jamais. Une expérience excessive, clinquante et jubilatoire, à la limite de la transe.

DRIVE, de Nicolas Winding Refn (En salles le 5 octobre)

Lire "Permis à poings pour Nicolas Winding Refn"

Article publié dans ALIBI

Mémoires d’un homme rangé - Interview de Frédéric Beigbeder

2011-10-03T12:34:00.001+02:00

Qu’est ce qui est drôle, utile et excitant ? PREMIER BILAN APRES L'APOCALYPSE, une analyse par Frédéric Beigbeder de ses cent romans préférés. Si, si…

Qu’est ce qui vous a poussé à devenir l’avocat du livre ?

FREDERIC BEIGBEDER : La colère. Tout le monde nous explique que les nouveaux supports ne chassent pas les anciens : le cinéma n'aurait pas remplacé le théâtre, la télévision pas fait disparaître la littérature, etc. Or c'est faux. Le cinéma a remplacé le théâtre comme art central depuis un siècle. La télévision a écrasé la littérature – les gens la regardent 3h par jour et lisent un roman par an. Quand au mp3, il a liquidé l'industrie du disque et les magasins de disques. Le livre sur papier a duré 6 siècles mais son espérance de vie est d'environ cinq à dix ans.

Vous n’utilisez vraiment rien qui ressemble à une tablette numérique ? Pas même pour lire le journal ?

Non. Je ne sais même pas m'en servir. Je vous rappelle que je suis une personne âgée.

A quoi ressemble votre bibliothèque ?

Elle est multicolore car je classe les livres par éditeur : Grasset = un mur jaune, Gallimard = un mur blanc, Stock = deux étagères bleues...

(c) B.Decoin/Visuel

Avez-vous relu les 100 romans de votre liste avant d’écrire ?

Oui, c'est pourquoi j'ai mis dix ans à écrire ce livre.

Comment s’est déroulée votre sélection finale ?

Choisir fut un jeu horrible, injuste et distrayant. En plus une fois que j'avais ma liste des 100, je les ai classés du numéro 100 au numéro 1. C'était monstrueux. Ca m'a occupé tout l'hiver. Je conseille à tous ceux qui s'ennuient de faire pareil.

Il y a assez peu de femmes dans votre liste…

Oui, je m'en suis rendu compte. Mais il y a tout de même Colette, Sagan, Dorothy Parker et Jean Rhys. Les plus douées du siècle, quoi. Et tout le monde me critique d'avoir mis Lolita Pille, Despentes et Nothomb. J'assume : j'en raffole.

L’une des originalités de votre liste est de ne pas se focaliser sur les auteurs décédés depuis des lustres…

Je suis sidéré de voir à quel point les essais sur la littérature oublient de parler des contemporains. Cela fait 25 ans que je me bats pour défendre les auteurs vivants, dans la presse, à la télé, en créant des prix littéraires, des revues... J'aime lire tous ces gens qui me font voir le monde actuel autrement. J'aime les rencontrer, discuter avec eux, me fâcher, me réconcilier.

Etes-vous devenu le chouchou de votre éditeur depuis qu’il a lu votre essai ?

Mon éditeur est un grand angoissé et je n'arrive jamais complètement à le rassurer. La réciproque est vraie aussi.

Quelques mots pour nous convaincre de rester fidèle aux "vrais livres" ?

Le papier est plus sensuel, il sent bon, c'est une caresse, alors que l'écran est gelé, pue l'électricité et pique les yeux.

PREMIER BILAN APRES L'APOCALYPSE, de Frédéric Beigbeder (Grasset)

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Interview (partiellement) publiée dans Be en septembre 2001

Lisa Langseth : "Les révolutions me passionnent"

2011-09-27T22:43:00.000+02:00

Dans PURE, poignant portrait d’une jeune banlieusarde convertie à la musique classique, la suédoise Lisa Langseth transpose la lutte des classes dans le cadre faussement douillet de l’orchestre philarmonique de Göteborg. Une double histoire de domination – masculine et culturelle – que nous explique cette réalisatrice débutante mais prometteuse.

PURE était au départ une pièce de théâtre. A quel moment avez-vous décidé d’en faire un film ?

LISA LANGSETH : La pièce que j’avais écrite était un monologue [Den älskade, "L’aimé", NDLR] : le personnage de Katarina, joué par l’actrice Noomi Rapace [Lizbeth Salander dans la série MILLENIUM] racontait l’histoire de son unique point de vue. Bizarrement, le film se déroulait dans ma tête au fur et à mesure de l’écriture et j’ai su que j’essayerai d’en tirer un long métrage.

Quelles ont été les difficultés d’adaptation ?

Comparer le théâtre et le cinéma serait aussi pertinent que de comparer le tennis et le ski. Il faut tellement de temps et de gens pour faire un film… Pour moi, la plus grande différence tient au fait que j’ai dû apprendre à travailler avec des images et non plus seulement avec des corps dans une pièce. Mais j’ai adoré les deux "processus de fabrication".

D’où vous vient cette fascination pour l’univers de la musique classique ?

A mes yeux c’est un milieu secret, quasiment mystique, où l’on parle une langue étrangère aux non initiés. Je n’y connais pas beaucoup plus que Katarina et j’ai découvert cet univers et le choc des classes qu’il peut provoquer avec elle. Enfant, je pensais être handicapée par ces différences sociales car j’ai grandi entre un père très cultivé, issu de la bourgeoisie et une mère issue de la classe ouvrière. Aujourd’hui ce thème est mon principal centre d’intérêt.

Dans "Klimax", votre pièce de théâtre inspirée des émeutes en banlieue, le choc des classes se faisait de manière très violente. Ici, la douceur n’est qu’apparente…

L’affrontement entre les classes me semble aussi naturel qu’inévitable, mais il peut se passer de brutalité et se contenter de bouleverser votre âme. C’est ce qui m’est arrivée : j’ai longtemps ressenti une grande violence émotionnelle.

Voyez-vous d’autres passerelles entre Pure et "Klimax" ?

L’idée de "Klimax" m’est venue en découvrant à la télévision les images des émeutes parisiennes de 2007. Ce qui m’a frappé, c’est de voir à quel point ces problèmes concernent l’Europe tout entière. Les classes sociales s’éloignent les unes des autres tout en se rapprochant géographiquement. Internet est censé être l’outil de la démocratisation du savoir, mais le choc dont nous parlions subsiste. Ce qui m’intéresse, au théâtre comme au cinéma, c’est de comprendre ce qui vous a fait devenir l’adulte que vous êtes aujourd’hui. Est-ce que tout est lié à l’enfance ? A un patrimoine génétique ? A quelque chose de bien plus puissant ? Les révolutions - individuelles ou collectives - et leurs motivations me passionnent, en particulier en Europe où nous sommes habitués au concept de liberté.

C’est la découverte de Mozart qui "sauve" Katarina. Croyez-vous à une sorte de pouvoir rédempteur de l’art ?

C’est une question compliquée pour moi. Le fait d’écouter de la musique classique ne vous empêchera jamais d’être un connard. En revanche, je crois que l’art – et notamment la musique – peut constituer une libération, un soulagement, un moyen d’expression propre qui vous rattache au monde en douceur.

Suite à ses débuts à vos côtés, la jeune Alicia Vikander est devenue un des espoirs du cinéma suédois…

Pendant un an j’ai cherché l’actrice parfaite pour interpréter Katarina : inexpérimentée mais talentueuse et suffisamment jeune pour qu’on lui pardonne ses pires actes. On me disait que j’en demandais trop, jusqu’à ce que je rencontre Alicia : une pure merveille.

Lira la critique de PURE

Mozart l'a sauvée (Pure, de Lisa Langseth)

2011-09-27T22:37:00.001+02:00

Quelque part entre Chabrol et les frères Dardenne, Lisa Langseth raconte la chute et l’ascension d’une "Pretty woman" de la banlieue de Göteborg convertie à la douceur et à la beauté par la musique classique. Un premier long métrage sensible et prometteur.

PURE s’ouvre dans la douceur, sur un visage ravissant. Une madone en jogging se délecte en écoutant Mozart, qu’elle a découvert en zappant sur YouTube. Avant Wolfgang, Katarina (Alicia Vikander) suçait à la chaine les mecs de sa cité. Depuis, elle s’est jurée de mépriser "les hommes, leurs bites et leurs galères" et de ne plus vivre que "pour ce qui est beau" ("till det som är vackert", le titre original du film).

Embauchée sur un malentendu comme réceptionniste dans une salle de concert, elle découvre avec des yeux d’enfant un univers où tous, pense-t-elle, ont fait ce choix d’une existence dédiée à la pureté et succombe au charisme manipulateur du chef d’orchestre (Samuel Fröler)…

Ici, la chute précède l’ascension et la romance entre la belle ingénue et le pompeux lecteur de Kierkegaard brièvement attiré par la tendresse de la chair fraiche ne dissimule pas longtemps les véritables enjeux : une éprouvante lutte des classes et des sexes.

Ce récit d’un passage forcé à l’âge adulte avait d’abord pris la forme d’un monologue pour le théâtre où Noomi Rapace – avant sa révélation en Lizbeth Salander dans MILLENIUM – interprétait Katarina. Mais l’histoire était "trop visuelle" pour résister à la tentation d’en faire un film, explique la réalisatrice Lisa Langseth. Malgré quelques facilités narratives, ce premier long métrage – que l’on pourrait situer quelque part entre Chabrol et les frères Dardenne – est d’une grande justesse, en partie grâce à un casting impeccable.

Avec sa sensualité boudeuse toute bergmanienne, Alicia Vikander [nominée parmi les "shooting stars" du dernier festival de Berlin] est magnifique et l’énergie que son personnage dépense à deviner ce qu’on attend d’elle, bouleversante. Entre l’extase et la souffrance, peut-être à la limite de la folie, elle avance comme un petit soldat désorienté mais buté vers une vie qui lui reviendrait de droit, au rythme du Requiem de Mozart majestueusement interprété par l’orchestre philarmonique de Göteborg. PURE est un voyage initiatique poignant, un délicat mélange de lyrisme et de réalisme proposant sa propre morale. Une liberté rafraîchissante.

Lire l'interview de Lisa Langseth

Rentrée littéraire 2011 : têtes de gondoles, têtes de séries et têtes à claques

2011-09-07T15:29:00.007+02:00

Ce qu’il faut savoir sur ces blockbusters autoproclamés avant de mettre la main au portefeuille...

1Q84 (livres 1 et 2), d’Haruki Murakami (Belfond)
Le pitch : Sur plus de 1000 pages se déroulent les destins croisés de deux êtres unis par un mystérieux pacte : Tengo, prof de maths et écrivain refoulé et Aomamé, tueuse à gages sexuellement obsédée par les chauves.
Les raisons du buzz : Candidat crédible au prix Nobel de littérature, vénéré par des fans du monde entier pour son onirisme réaliste, l’écrivain japonais a déjà vendu 2,5 millions d’exemplaires de son dernier livre.
Verdict : Récit d’amour et d’aventure, polar aux accents fantastiques… 1Q84 est un roman-monde envoûtant, labyrinthique et limpide à la fois. Une épopée littéraire sidérante.

SUNSET PARK, de Paul Auster (Actes Sud)
Le pitch : Dans un squat de Brooklyn, des jeunes gens cultivés, fauchés et névrosés se cherchent et se découvrent autour de Miles, un ex-étudiant en littérature amoureux d’une mineure et incapable de faire le deuil de son frère.
La raison du buzz : Paul Auster, qui forme avec Siri Hustvedt le plus beau couple d’écrivains des Etats-Unis, raconte New York comme personne : avec un humour ambigu et irrésistible.
Verdict : On pardonnera l’écriture linéaire et contrôlée à l’excès, tant cette quête d’identité nous emporte avec fougue dans l’Amérique d’après – le 11 septembre, la crise des subprimes – en compagnie d’adorables anti-héros.

ILS ONT TOUJOURS RAISON, de Paolo Sorrentino (Albin Michel)
Le pitch : Tony Pagoda, chanteur de charme exilé en Amazonie depuis dix-huit ans, décide de rentrer en Italie et découvre son pays vautré dans la vulgarité. Même pour un beau de son niveau, le constat est insupportable…
La raison du buzz : En compétition à Cannes avec THIS MUST BE THE PLACE, le réalisateur italien se pique à présent de faire de la littérature. Caprice ou coup de génie ?
Verdict : Sorrentino pose un regard impitoyablement féroce sur son pays, en passe de sombrer dans une apocalypse intellectuelle absurde. Une tragicomédie décapante.

CLEVES, de Marie Darrieusecq (P.O.L.)
Le pitch : Il y a trente ans, dans un village du Sud, la petite Solange grandit entourée de gamins et d’adultes qui "ne pensent qu’à ça" et s’éveille à la sexualité sans vraiment passer par la case sentiments.
La raison du buzz : On admire l’audace de cette auteure brillante mais pas pédante depuis qu’elle a transformé une esthéticienne en porcinette dans son best-seller mondial, le très kafkaïen TRUISMES. Ses cochonneries dérangent et fascinent.
Verdict : L’auteure explore de façon clinique les désirs fiévreux d’une pré-adolescente, sujet généralement tabou. L’écriture, candide et crue, déroute et terrasse. A aduler ou à détester.

TUER LE PERE, d’Amélie Nothomb (Albin Michel)
Le pitch : Une histoire d’amour-haine entre un ado et son père adoptif, tous deux ayant succombé à la même femme et prétendant au titre de meilleur magicien de Végas.
La raison du buzz : Depuis 1992 il n’est pas de rentrée littéraire sans un nouveau roman de l’écrivaine belge, laquelle entretient savamment sa réputation et son look d’excentrique quasi mutique.
Verdict : Les petites bizarreries cyniques de l’auteur ne suffisent plus et sa paresse agace. On aimerait qu’elle mette son imagination au service de récits plus ambitieux dépassant les 150 pages.

Article publié dans Be en août 2011

Les 400 coups (Neds, de Peter Mullan)

2011-09-07T15:19:00.003+02:00

Le film débute sur le ton du "tout est mal qui finira peut-être bien ". Fils d’un soulard bastonneur et d’une femme passive et battue, John McGill (Connor McCannon) est parti pour rater sa vie. Mais le gamin est brillant, sensible et déterminé à prouver au monde que les chats font parfois des chiens. Malheureusement le Glasgow des années 70 ne croit pas aux contes de fée et sans même lever le nez de ses bouquins, John hérite de la désastreuse réputation de son frère aîné, tout juste sorti de prison. Profs et parents d’élèves veulent faire de lui un "NED" (Non Educated Delinquent), une terreur de quartier, ils vont être servis…

Avec son physique de poupon vengeur, McCannon est l’emblème magnifique, martyr et bourreau, de ce passage à l’âge adulte éprouvant et tribal, partiellement inspiré de l’enfance de Mullan. Sa peinture crue d’une société et d’institutions – parentale, éducative, policière – moribondes évoque le "réalisme social" quasi documentaire de Ken Loach ou Mike Leigh, chemin balisé dont le réalisateur écossais dévie audacieusement au cours d’imprévisibles scènes opératiques. Du cinéma coup de poing.

NEDS, de Peter Mullan (En salles)

NEDS : BANDE-ANNONCE VOST HD par baryla

L'adieu aux larmes (La Guerre est déclarée, de Valérie Donzelli)

2011-08-22T23:01:00.005+02:00

De leur drame personnel – un enfant malade – Valérie Donzelli et Jérémie Elkaïm ont tiré une tragicomédie énergique et sublime. LA GUERRE EST DECLAREE, présenté en ouverture de la Semaine de la critique, est l’un des plus beaux films du festival de Cannes.

Ils se sont vus, reconnus et voulus jusqu’à ce que la mort les séparent. Ils ont tout fait très vite et quelques mois après leur rencontre, Roméo + Juliette = Adam. Tout est idyllique dans le meilleur des mondes. Mais le nouveau-né hurle à la mort, sans cesse. Le pédiatre interroge un neurologue qui s’en remet au chirurgien. L’enfant souffre d’une tumeur au cerveau. Apocalypse. Juliette s’effondre. A deux ils se relèvent. Adam doit vivre. La guerre est déclarée.

On imagine d’ici le casse-tête des attachés de presse pour décrire en une phrase choc ce second film de Valérie Donzelli. Tragicomédie familiale ? Mélodramédie musicale ? "Un film physique et intense", tranche la réalisatrice sans effet de glamour. Peu importe. LA GUERRE EST DECLAREE déboule comme un ovni dans le cœur du spectateur cloué à son siège durant cent tûtes petites minutes, ébouriffé de la facilité avec laquelle il peut rire et pleurer en même temps.

On s’inquiète au départ, du caractère autobiographique du projet, dont Valérie Donzelli ne se cache pas. Elle joue dans son film, aux côtés de Jérémie Elkaïm, père de son fils Gabriel, lequel apparaît brièvement. Après tout, la salle obscure n’est pas un divan et les réalisateurs qui s’offrent un public pour économiser les honoraires du psy sont souvent très agaçants. Et puis les héros se présentent. Lui : "Roméo". Elle : "C’est une blague ?". Lui : "Non, pourquoi?". Elle : "Parce que je m’appelle Juliette." On nage en pleine fiction et même, en plein symbole. L’odyssée du couple prend une tournure universelle imprévue.

Valérie Donzelli s’autorise tout et n’importe quoi : chanter un peu faux, commenter en voix off, surjouer de temps en temps, filmer flou ou imprimer dans le ciel l’image de son homme qui lui manque. Déjà, dans LA REINE DES POMMES, son premier long métrage – un gag autant qu’un conte de fée – elle se moquait des codes. Donzelli y incarnait une trentenaire déprimée par son célibat, succombant à différents hommes, tous joués par Elkaïm. Bien plus abouti, LA GUERRE EST DECLAREE confirme la liberté de ton et de méthode de la réalisatrice.

Famille, amis, amants, souvenirs réels et fantasmés… La réalisatrice recycle et réinvente tout. Elle qui dit "fabriquer des films" travaille à l’instinct, animée par une rage de vie contagieuse qui donne à son cinéma, pourtant très intime, une puissance étourdissante. C’est sans doute de là que vient le tour de force : raconter sans pathos la pire histoire du monde. Qualité que l’on retrouvait le même jour – hasard du calendrier – dans le très beau RESTLESS de Gus Van Sant (Un Certain regard), love story foutue d’avance entre un orphelin toujours en deuil et une ado cancéreuse. Le petit couple formé à l’écran par Henry Hopper et Mia Wassikowska était sidérant de justesse. D’ailleurs, si j’étais Gus, je laisserais passer quelques années avant d’en faire les Roméo et Juliette de mon remake de LA GUERRE…

La Française et l’Américain appartiennent à la même caste de voyous. Ceux qui se foutent du "bon goût" et de ses préceptes, bien conscients qu’appliqués au cinéma ceux-ci se révèlent castrateurs. On ne rit pas de la tristesse, on ne joue pas avec la mort, brament les mélo hollywoodiens. Tout est question de dosage, de distance et de grâce, répondent des films comme RESTLESS ou LA GUERRE EST DECLAREE.

Excessive dans ses désirs, Valérie Donzelli sait aussi se montrer économe, à l’image de sa mise en scène très "Nouvelle vague" (équipe et équipements techniques réduits, lumière naturelle…). "Plus tard, j’aimerais réaliser un film de genre", nous confiait il y a peu Valérie Donzelli. Histoire d’amour, de guerre et d’action ; pudique, ludique et romantique, LA GUERRE EST DECLAREE est, précisément, un film de très bons genres.

LA GUERRE EST DECLAREE, de Valérie Donzelli (En salles le 31 août)

Article publié dans Palmarès magazine #4

Lire l'interview de Valérie Donzelli

Valérie Donzelli : "J’aime fabriquer les choses en famille"

2011-08-22T22:45:00.005+02:00

Rencontre avec l'une des plus belles révélations cannoises : la réalisatrice (et actrice) Valérie Donzelli. Présenté en ouverture de la Semaine de la critique, LA GUERRE EST DECLAREE nous a fait rire aux larmes et pleurer de joie...

En terme de structure et de mise en scène, votre premier film, LA REINE DES POMMES, était un véritable ovni. Qu’en est-il de LA GUERRE EST DECLAREE ?

On y retrouve la même liberté formelle que dans LA REINE DES POMMES, mais ce n’est ni une comédie, ni un mélodrame. C’est un film physique et intense. Avec Jérémie Elkaïm nous avons écrit ce scénario en nous inspirant de notre histoire, celle d’un jeune couple confronté à la maladie de leur fils et qui va s’unir dans l’adversité. Au départ je n’avais pas prévu de jouer le rôle de Juliette, mais je tenais à ce qu’il soit Roméo. Cependant à chaque fois que je tentais de lui trouver une partenaire, ça ne marchait pas, quelque chose me dérangeait. Finalement, je me suis attribué le rôle, c’était plus simple comme ça.

Comme décririez-vous votre cinéma ? Je fais des films de façon assez artisanale.

Pas forcément en terme de budget – celui de LA GUERRE EST DECLAREE était bien plus important que celui de mon premier film – mais dans le sens où je construis les choses petit à petit. J’aime fabriquer les choses en famille et mon approche du cinéma n’est pas très théorique. Gilles Marchand dit d’ailleurs que j’ai l’intelligence dans les mains [en 2003 Valérie Donzelli a joué dans le premier film du réalisateur, QUI A TUE BAMBI, ndlr]. Je me pose beaucoup de questions et les réponses viennent de partout : des acteurs, des costumes, des musiques, des décors… Le but pour moi étant de constituer librement un objet qui corresponde à mon imagination.

La Reine des pommes

La musique occupe une place centrale dans vos films. Comment la choisissez-vous ?

J’aime écrire mes scénarios avec de la musique en tête. Je sais très tôt quel air il y aura et à quel endroit. Je n’attends pas le montage pour ça. J’adore la chanson, notamment française, mais je ne suis pas attachée à un genre musical en particulier. J’écoute beaucoup de choses, souvent des morceaux que Jérémie, qui est bien plus mélomane que moi, me choisit. Très souvent, une ampoule s’allume dans ma tête et cela m’inspire une situation.

La Guerre est déclarée

Comment êtes-vous passé du travail d’actrice à la réalisation ?

J’ai toujours eu le désir de réaliser, mais je ne m’imaginais pas dans cette position, jusqu’à ce que je rencontre Jérémie. Il m’a dit : "si tu veux être actrice, tu n’as qu’à écrire des films"... Vous avez déjà réalisé une comédie romantique et un drame familial. A quoi ressemblera votre prochain film ? En ce moment j’écris une comédie inspirée de mon expérience, mais d’une façon plus cachée. De toute façon tous les films parlent des réalisateurs, non ? Plus tard, j’aimerais réaliser un film de genre. Peut-être un film d’action ou d’horreur. Ou bien une comédie musicale… J’aurais adoré être une grande chanteuse mais ce n’est pas le cas. Je ne suis bonne que pour fabriquer des choses.

Interview publiée dans Palmarès magazine #4

Lire la critique de LA GUERRE EST DECLAREE

Confessions d'un homme dangereux (LE CIMETIERE DU DIABLE, d'Anonyme)

2011-08-18T14:49:00.006+02:00

Le soir d’Halloween, mieux vaut s’éloigner de Santa Mondega, cité maudite d’Amérique du sud. Ses habitants migrent donc en plein désert, dans un hôtel organisant le plus grand concours de sosies du pays. L’endroit rêvé pour un tueur à gage chargé d’éliminer le célèbre serial killer Bourbon Kid…

Tout ce que l’on sait de l’auteur du CIMETIERE DU DIABLE, dernier volet d’une trilogie lancée en 2007 sur internet avec LE LIVRE SANS NOM, c’est qu’il aime Elvis, le foot et le whisky et que son univers explosif-régressif condense toute la culture pop – cinéma, séries télé, musique – des années 2000.

Mais peu importe qui se cache derrière ces ovnis déjà cultes – David Bowie ? Le Prince Charles ? – l’essentiel est qu’il injecte du sang bien frais dans la littérature de genre, teintant son western spaghetti de polar et de fantastique (momies, vampires et loups-garous) avec, en prime, une histoire d’amour. Un thriller roublard, dopé aux amphets.

LE CIMETIERE DU DIABLE, d’Anonyme (Sonatine)

Article publié dans Be en juin 2011

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Almodovar : "Réalisateur est le métier qui se rapproche le plus de celui de dieu"

2011-08-16T15:28:00.008+02:00

Le meilleur film de Pedro Almodovar depuis PARLE AVEC ELLE est un thriller scientifique érotique tortueux. LA PIEL QUE HABITO n’a rien gagné à Cannes mais signe le retour inspiré de l’enfant terrible du cinéma espagnol.

Fini les comédies sucrées-salées et les mélodrames hystériques. Pedro Almodovar se lance dans le thriller transgénique tordu avec LA PIEL QUE HABITO, présenté en compétition à Cannes cette année. Bien lui en a pris. Si l’enfant terrible de la Movida a quitté la Croisette bredouille, il s’est offert un regain de jeunesse en renouant avec l’enthousiasme excentrique et bariolé qui l’animait dans les années 80-90. En conférence de presse, on l’a découvert plus obsédé que jamais, irrésistible aux côtés d’Antonio Banderas avec qui il n’avait plus travaillé depuis Attache-moi en 1989. Le comédien campe un chirurgien esthétique psychorigide usant du bistouri pour assouvir un désir de vengeance. Son meilleur rôle depuis des lustres.

"Tout au long de ma vie personnelle et de cinéaste, je me suis intéressé à des genres différents, explique Almodovar. Aujourd'hui, j’ai décidé de faire dans le thriller, qui correspond bien à ma vie du moment. Ce genre cinématographique ouvre les portes de tous les autres et j’y reviendrai sûrement dans mes prochains films." Le réalisateur pensait "faire un film ‘à la Fritz Lang’, muet et en noir et blanc". Il a finalement choisi d’adapter très librement un roman de Thierry Jonquet, MYGALE en s’inspirant des YEUX SANS VISAGE de Georges Franju (1960), où un chirurgien offre de nouveaux traits à sa fille défigurée et, peut-être, de REBECCA d’Alfred Hitchcock (1940), qui traitait dans une veine gothique de l’impossibilité de vivre avec le fantôme d’une épouse.

Almodovar tolérant peu les carcans, on se doutait qu’il détournerait allégrement le codes du genre. LA PIEL QUE HABITO frôle ainsi la science-fiction, "mais puisque les expériences transgéniques et le décodage du génome humain existent déjà, on ne peut pas dire que c’est un film fantastique", prévient-il. On est aussi à la frontière de l’horreur, même s’il y a "plus de suspense que de sang", le réalisateur ne souhaitant surtout pas "tomber dans le gore" et préférant "laisser le spectateur comprendre ce qu’il se passe sans le lui montrer explicitement".

Ainsi, plutôt que de zoomer sur les répugnantes interventions chirurgicales du médecin fou, la caméra ausculte avec tout autant d’efficacité son visage impassible. C’est d’ailleurs dans sa relation avec son personnage qu’Almodovar surprend et passionne. Sans aller jusqu’à s’identifier à lui et à son "absence de morale", le réalisateur assume un parallèle divinement mégalo. "Le docteur Ledgard est fou, mais c’est aussi un créateur qui, comme dieu, peut donner vie à ses fantasmes. Sur ce point, nous sommes parents, car réalisateur est le métier qui se rapproche le plus de celui de dieu : on peut donner corps à son imagination et à ses fantasmes, les acteurs sont là pour nous y aider. C’est un pouvoir immense et c’est ce qui me plaît."

Peuplé de créatures ultra sexuées et (bi/trans/homo) sexuelles, le cinéma almodovarien n’a jamais été pour les enfants de chœur. Ce dix-huitième long métrage l’est peut-être encore moins, tant le réalisateur s’applique à contrarier sa culture judéo-chrétienne. Ledgard, son demeuré de frère et leur mère (Marisa Paredes) – qui dit "porter la folie" dans ses entrailles – ont, semble-t-il, grandi au Brésil. "Je voulais une famille sauvage, indépendante sur le plan moral et éduquée dans une tradition autre que celle du péché et du châtiment dans laquelle j'ai été élevé en Espagne", dit-il. Le vrai Pedro est de retour, enfin.

Article publié dans Alibi #3

Lire la critique et voir la bande-annonce du film

Décapage en règle (La piel que habito, de Pedro Almodovar)

2011-08-16T15:23:00.005+02:00

Star de la chirurgie esthétique et veuf inconsolable, Robert Ledgard (Antonio Banderas) s’obstine à expérimenter un épiderme de synthèse pour grands brûlés, en dépit des menaces de la communauté scientifique. Dans une chambre à l’étage de sa maison-laboratoire, une jeune femme en justaucorps couleur chair est séquestrée (Elena Anaya). Bientôt elle lui servira de cobaye…

Thriller fantastique, érotique et horrifique, LA PIEL QUE HABITO (en compétition à Cannes) est un objet étrange et fascinant, un patchwork aux coutures nombreuses mais impeccables. Grâce à un scénario minutieux et à une audacieuse gestion du suspense et du temps, Almodovar happe et balade son spectateur avec la malice d’un démiurge, sans jamais rechercher la vraisemblance.

Toutes ses obsessions – flou des identités sexuelles, pulsions de vie et de mort – se concentrent sur le couple impossible Banderas-Anaya. Lui joue à l’économie un savant fou pris à son propre piège. Elle crève l’écran en victime aux désirs ambigus. Génial et glaçant.

LA PIEL QUE HABITO, de Pedro Almodovar (En salles le 17 août)

Article publié dans Alibi #3

Lire le compte-rendu de la conférence de presse de Pedro Almodovar au Festival de Cannes 2011

Ce que veulent les femmes (Un été sans les hommes, de Siri Hustvedt)

2011-08-04T15:49:00.005+02:00

"Faire une pause." Ces trois petits mots prononcés après trente ans de mariage par Boris, son époux prétendument parfait, auront suffit à faire exploser la douce et rationnelle Mia. La célèbre poète sombre même dans une inquiétante folie passagère à l’idée du mufle caressant les "cheveux plats mais brillants "et les "seins éloquents" de cette "Pause" jeune et Française.

Revenue à son état normal, ou presque, Mia s’autoprescrit "Un été sans les hommes" et délaisse New-York pour le Minnesota de son enfance. Entourée d’un club de veuves octogénaires délurées présidé par sa mère, d’une jeune voisine en pleine crise conjugale et des adolescentes aux hormones bondissantes de son atelier de poésie, elle reprend goût à l’indépendance et se lance dans un projet idéalement thérapeutique : cataloguer ses aventures charnelles pré-Boris et rédiger ainsi son "histoire pornographique personnelle".

La féminité est un sentiment fragile qui peut surgir ou disparaître à tout âge, racontent à travers Mia toutes les héroïnes de ce journal de bord post-rupture. Mais tout reste toujours à construire. Ce qui donnerait lieu à de superficiels bavardages de salon prend chez Siri Hustvedt une ampleur stimulante.

Son analyse des genres emprunte discrètement aux disciplines favorites de l’auteure – littérature, philosophie, histoire des arts, psychanalyse, neurosciences – sans que ces références n’alourdissent le récit. Au contraire, elles ont même pour vertu rassurante de guider notre propre introspection. Rares sont les voix capables d’exprimer sans tentation bagarreuse un féminisme érudit et constructif. Siri Hustvedt y parvient avec humour dans ce portrait charnel pimenté. Elle est, décidément, l’une des plus belles voix de la littérature américaine.

UN ETE SANS LES HOMMES, de Siri Hustvedt (Actes Sud)

Article publié dans Be en juin 2011

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Bad Moomin (The Troll Hunter, d'André Øvredal)

2011-07-21T14:32:00.008+02:00

Retour express sur THE TROLL HUNTER, d'André Øvredal, repéré pendant le festival Ciné Nordica.

Ce vrai-faux documentaire en caméra portée façon CLOVERFIELD, nous embarque dans une chasse aux monstres aux côtés d’un groupe d’étudiants convaincus que le gouvernement norvégien leur cache la vérité: l’existence dans les forêts de Nord de créatures géantes moins affectueuses qu’un Moomin.

Bien que le tout manque de sensations fortes, l’esthétique fauchée fait le charme de ce nanar maladroit mais astucieux, qui développe avec un plaisir communicatif enfantin une mythologie chère au folklore scandinave.

THE TROLL HUNTER, d’André Øvredal (En salles le 20 juillet)

Pour tout savoir sur les trolls, passez chez la troll-addict Cineaster.

Coréegraphie d'une boucherie (THE MURDERER, de Na Hong-jin)

2011-07-21T13:37:00.008+02:00

Avec ce second thriller d’action ambitieux et stylisé, le jeune Na Hong-jin (THE CHASER) s’impose comme l’un des plus grands espoirs du cinéma coréen.

2008. Na Hong-jin, alors étudiant en cinéma, sidère la Croisette avec THE CHASER, thriller pas franchement original mais diablement efficace, lançant un proxénète sur les traces du kidnappeur de sa fille. Rebelote cette année avec THE MURDERER, un film noir plus abouti encore, présenté à Cannes dans la section Un Certain regard.

Au cœur de cette nouvelle chasse à l’homme se trouve Gu-nam (Ha Jung-woo, impressionnant), chauffeur de taxi accablé par le départ de sa femme, fauché et accro au mah-jong. Pour éponger ses dettes il accepte la mission d’un parrain local : se rendre clandestinement à Séoul pour y assassiner un inconnu. Gu-nam s’exécute mais découvre un cadavre déjà froid. Traqué par la police, le tueur innocent se lance aux trousses de ses commanditaires. Mourir, d’accord, mais pas sans comprendre pourquoi.

L’intrigue se situe sur les bords de la mer jaune (le titre original du film), ce petit bout de Pacifique qui borde les côtes russe, chinoise et coréenne. Un no man’s land désespéré qui incite à la fuite et inspire à Na Hong-jin un récit profondément nihiliste. Les voitures explosent et volent dans tous les sens, les têtes tombes, les os craquent…

THE MURDERER est une boucherie parfaitement chorégraphiée mais jamais complaisante. Le récit ménage d’ailleurs adroitement quelques instants de répit en s’intéressant de manière quasi documentaire aux populations migrantes, en évoquant la vie sentimentale du héros ou lors de scènes de combats surréalistes opposant Gu-nam à un mafieux enragé (formidable Kim Yun-seok). Imaginez Kitano et Tarantino surgissant chez James Gray.

Le scénario est si ambitieux qu’il en devient parfois confus et le film compte clairement vingt minutes de trop. THE MURDERER n’en est pas moins un grand film de genre.

THE MURDERER, de Na Hong-jin (En salles le 20 juillet)

Article publié dans Alibi #3

Apnée juvénile (DEEP END, de Jerzy Skolimowski)

2011-07-19T13:51:00.008+02:00

Une rousse incandescente et un puceau obsessionnel jouent au chat et à la souris dans le grand bain d’une piscine publique. Pulsions, désirs et frustrations sont au programme de cette pépite pop rescapée des 70s.

Bien avant que le teen movie ne devienne un genre majeur du cinéma américain, Jerzy Skolimowski réalisa, en Europe, l’un des plus beaux spécimens du genre. La ressortie en salles de DEEP END (1970) est donc l’une des meilleures nouvelles de l’été. Partiellement tourné à Münich, le film prend place dans la capitale anglaise, à l’époque du "Swinging London" dont il dresse un portrait en creux détonnant. Du glamour pop des sixties, Skolimowski ne conserve en effet que quelques codes visuels – ambiance franges et minijupes – ainsi qu’une bande-son folk (Cat Stevens) et rock (Can) euphorisante. Pour le reste, on est bien loin du Soho branché.

L’action se déroule dans un lieu anti-séduisant au possible : les bains publics d’une banlieue sans intérêt. Mike (John Moulder-Brown), 15 ans, vient d’y être embauché. Susan (Jane Asher), une employée à peine plus âgée est chargée de lui enseigner les us et coutumes du métier. En principe il ne s’agit que de nettoyer les cabines et approvisionner les client(e)s en savon, shampoing et serviettes de bain. En pratique, les habitués exigent souvent de petites gâteries en nature que ce lieu crasseux leur inspire. Susan s’en amuse, arrondit ses fins de mois et Mike, qui n’a aucune expérience et tremble déjà d’amour pour cette rouquine torride, applique ses consignes à la lettre. Déjà flanquée d’un fiancé et d’un amant, la demoiselle souffle le chaud et le froid sur l’adolescent dont les désirs innocents virent à l’obsession.

Skolimowski met ses talents de peintre à profit pour transcrire avec une puissance visuelle hors du commun l’attirance-répulsion qui unit ses deux êtres, la frontière trouble entre fantasmes et réalité et les dangereuses contradictions de cet âge "ingrat". Thriller romantique, tragi-comédie cynique... DEEP END est inclassable, comme tous les chefs d’œuvres.

DEEP END, de Jerzy Skolimowski (En salles le 13 juillet)

Article publié dans Alibi #3

Béni sois-tu, Satan (LE MOINE, de Dominik Moll)

2011-07-15T14:41:00.007+02:00

Madrid, XVIIe siècle. Frère Ambrosio, un orphelin élevé par des religieux, devient le prédicateur le plus charismatique du pays et attire en masse des foules de pécheurs superstitieux venus retrouver le chemin de la foi. Sa ferveur quasi fanatique fascine mais terrifie aussi ceux qui l’approchent. D’autant que son comportement s’est radicalisé avec l’arrivée d’un mystérieux novice au visage masqué…

Dominik Moll (LEMMING, HARRY, UN AMI QUI VOUS VEUT DU BIEN) aime les personnages troubles et les atmosphères malsaines. On le sent comme un poisson dans l’eau dans cet univers mystico-fantastique inspiré d’un roman publié en 1796 par Matthew G. Lewis.

Le scénario, qui se voudrait shakespearien, manque cependant de corps et d’esprit et se perd souvent dans des digressions inutiles. Le magnétisme de Vincent Cassel — visage christique, muscles bandés, regard froid et fou… — captive heureusement de bout en bout. Un petit film étrange…

LE MOINE, de Dominik Moll, avec Vincent Cassel, Déborah François, Joséphine Japy, Sergi Lopez.

Article publié dans Alibi #3

(En salles le 13 juillet)

Renaissance du Phoenix ? (I'M STILL HERE, de Casey Affleck)

2011-07-14T13:15:00.010+02:00

Il avait juré de quitter le cinéma pour se consacrer au hip-hop et autorisé son beau-frère, Casey Affleck, à filmer sa reconversion un "documentaire", I'M STILL HERE. Durant deux ans, Joaquin Phoenix a joué la comédie. Brillamment. C'est vrai, il s’est moqué du monde, mais pour mener à bien une performance artistique originale et risquée dans laquelle il s’est pleinement investi – notamment physiquement. Or on a vu des Oscars distribués pour moins que ça…

Who's the guy ?

Octobre 2008. En pleine promotion de TWO LOVERS, le torride Joaquin Phoenix annonce qu’il met fin à sa carrière de comédien pour se consacrer à son rêve : le hip hop. Personne n’y croit, mais "JP" persévère, allant jusqu’à se produire en public dans des bars de Végas. Une improbable reconversion immortalisée par son beau-frère, l’acteur Casey Affleck, passé pour l’occasion à la réalisation.

WTF ?

Journal intime impudique, I'M STILL HERE raconte une glissade vers l’enfer. Crasseux, hirsute, ventru… Phoenix est méconnaissable. Mais surtout, il perd pied, claquant son fric en coke et en putes et bassinant ses amis – épuisés – avec des "lyrics" paranoïaques et mégalo. Du pain béni pour les médias, les blogueurs et le public qui conspuent son absence de talent et son manque de sincérité.

So what ?

En septembre dernier, lors de la sortie américaine du film, les deux complices lèvent le voile : I'M STILL HERE n’était qu’un canular, entièrement tourné avec des acteurs. Un faux biopic sur Phoenix donc, mais une vraie satire de l’industrie du spectacle, de son culte de la célébrité et de son mépris pour la vie privée.

What for ?

Pour une fois, Phoenix, né dans une famille d’acteurs, a voulu tirer les ficelles au lieu de se plier aux volontés des studios ou des médias. Joaquin en fait beaucoup dans son portrait d’une déchéance, mais il sait de quoi il parle : en 1993, son frère aîné, River, succombait à une overdose à la sortie d’un bar d’Hollywood.

I'M STILL HERE, de Casey Affleck, avec Joaquin Phoenix, Casey Affleck, Ben Stiller, Sean Combs (En salles le 13 juillet)

Crève américaine (BLUE GENE, de Joey Goebel)

2011-07-12T11:24:00.005+02:00

Elisabeth Mapother en a la conviction, son fils aîné, John, est l’homme providentiel du Congrès américain, celui qui rendra aux Etats-Unis leur grandeur d’antan. Reste à le faire élire chez les ploucs de Bashford — "cinquante mille habitants, soit trois McDonald’s" — cité ouvrière du Midwest où l’illustre famille a eu le malheur de s’installer. Mais John souffre, selon les sondages, d’un "déficit d’image". "Pas assez peuple", disent-ils.

Qu’à cela ne tienne, Elisabeth dispose d’une botte secrète : un cadet qu’elle aurait volontiers continué d’oublier. Avec ses tatouages, son affreuse coupe mulet, ses chaussettes rentrées dans les tongs et son boulot minable (vendeur de figurines GI Joe au marché aux puces), Blue Gene est effet le seul capable d’offrir à son frère la petite touche prolétaire qu’il lui manque. Mais le vilain petit canard n’est pas dupe. Brièvement séduit par l’idée d’une réconciliation avec les siens, il ne tarde pas à découvrir le vrai visage des Mapother.

Sous ses airs d’adolescent décoiffé, Joey Goebel, trente-et-un an ans, est en réalité un fin stratège. BLUE GENE, son troisième roman, sort alors que s’échauffent dans les starting blocks les candidats à une éventuelle succession d’Obama. La lutte des classes est toujours d’actualité chez cet ancien chanteur pop-punk qui caricature avec autant d’efficacité l’Amérique ultra-conservatrice des "tea parties" que celle, ultra-beauf, des rednecks. On pardonnera à l’auteur une tendance – tentante – au manichéisme tant son analyse du choc des cultures est jubilatoire. Une comédie politique militante inspirée.

BLUE GENE, de Joey Goebel (Héloïse d’Ormesson)

Article publié dans Be en juin 2011.

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Lamento d’un jardinier (Omar m'a tuer, de Roschdy Zem)

2011-07-06T14:16:00.007+02:00

Le second film de Roschdy Zem s’attaque à ce qui pourrait bien être l’une des pires erreurs du système judiciaire français. Une mise en scène classique qui sert finalement d’écrin à l’incroyable performance de l’acteur Sami Bouajila.

Article publié dans la revue Séquences (Juillet-août 2011)

1991. Ghislaine Marchal, une riche propriétaire, est assassinée dans sa villa de Mougins, sur la Côte d’Azur. Au dessus du corps, une inscription en lettres de sang : "Omar m’a tuer". Son jardinier, Omar Raddad, est interpelé mais n’avouera jamais les faits. Malgré l’impressionnante quantité de zones d’ombre planant sur l’enquête, il sera condamné à 18 ans de réclusion criminelle et libéré au bout de six suite à une grâce présidentielle partielle. Depuis, Raddad a toujours clamé son innocence et pourrait bien être la victime de l’une des pires erreurs du système judiciaire français.

Roschdy Zem ne pouvait que ce se saisir de ce destin tragique. Son premier long métrage, MAUVAISE FOI (2006), racontait sur le ton de la comédie les péripéties amoureuses d’une juive et d’un musulman. OMAR M'A TUER ne traite pas ouvertement de religion, mais intègre ce parallèle établi par le très médiatique Maître Vergès, entre le capitaine Dreyfus, accusé de trahison en 1894 puis réhabilité en 1906 et son client : "Il y a cent ans, on condamnait un officier car il avait le tort d’être juif, aujourd’hui on condamne un jardinier car il a le tort d’être maghrébin".

Zem semble, évidemment, convaincu de l’innocence de Raddad, dont le livre-témoignage, Pourquoi moi ? a d’ailleurs servi de base au scénario. Pourtant, le réalisateur exprime ses doutes avec une politesse et un respect quasi documentaires. Aucun risque n’est pris dans l’élaboration du scénario ou dans la mise en scène, ce qui donne à l’ensemble un goût très classique. Au moins Zem fait-il preuve de sobriété là où le sujet rendait les effets de manche tentants. Les scènes potentiellement tire-larmes ne s’éternisent jamais : Raddad interpelé sous les yeux de sa famille, rabaissé par des policiers bas du front ou entamant une grève de la faim.

Seul ce qui est utile à notre compréhension des faits est montré à l’écran. D’autres que Zem auraient également usé des plaidoiries de la défense pour se payer l’humiliation des pouvoirs judiciaire et policier. Lui se contente d’égrener les aberrations de l’enquête : alibi de l’accusé à peine vérifié, témoins non entendus, graphologues incapables de confirmer que l’inscription désignant Omar a bien été écrite par la victime, découverte sur les lieux du crime d’ADN masculins ne correspondant pas à celui de Raddad…

En guise de contrepoids à la version officielle, un écrivain très "Quartier latin", passionné par les grandes causes (Denis Podalydès, parfaitement crédible), décide de mener sa propre enquête. Le procédé de mise en parallèle de ces deux destins opposés – l’immigré trahi par sa terre d’accueil et le romancier aux motivations louables mais floues – n’a que peu d’intérêt. Sans tomber dans un manichéisme hollywoodien, Zem aurait pu faire de ce film un objet peut être moins humaniste, mais purement cinématographique. Enragé et puissant, à l’image de Sami Bouajila qui justifie le film par sa seule présence. Taiseux, farouche et déterminé, il incarne Raddad avec une force bouleversante et son regard blessé vous hante longtemps après la fin du générique.

En France, il paraît que Jean Dujardin est l’acteur du moment. Ses grimaces et ses sauts de cabri ont même conquis le jury du 64e festival de Cannes. Bouajila est précisément l’anti Dujardin. Un acteur discret, se tenant à distance des paillettes et abordant son métier comme un art rigoureux. Physique sans jamais gesticuler, il peut tout incarner en jouant à l’économie et dit d’ailleurs travailler comme un boxeur : monter sur le ring, tout donner puis disparaître en attendant le prochain combat.

L’acteur s’est glissé, vraiment, dans la peau de Raddad dont il a su adopter le visage et la voix. Il en fait une victime toujours digne, brisée par un système qui la dépasse. Un homme pur qui rappelle son personnage dans INDIGENES, de Rachid Bouchareb, pour lequel il décrocha en 2006 le prix d’interprétation à Cannes. Omar m’a tuer est un bon film qui méritait toutefois d’être grandiose. On lui doit en tout cas l’éclosion d’un surdoué. —

OMAR M'A TUER, de Roschdy Zem, avec Sami Bouajila (Omar Raddad), Denis Podalidès (Pierre-Emmanuel Vaugrenard), Maurice Bénichou (Maître Vergès). (En salles)

Certains l'aiment froide (POUPOUPIDOU, de Gérald Hustache-Mathieu)

2011-07-01T12:15:00.006+02:00

De passage à Mouthe – "la ville la plus froide de France" – l’écrivain en mal d’inspiration David Rousseau (le clown triste Jean-Paul Rouve) apprend le décès d’une inconnue : Candice Lecoeur (l’adorable Sophie Quinton) était jolie comme une fleur, miss météo enthousiaste et effigie glamour du fromage Belle de Jura. Les conclusions des gendarmes – "suicide probable aux somnifères" — ne convainquent pas notre auteur de polar qui décide de mener sa propre enquête. On voit bien où il veut en venir…

Planquer sous un titre ridicule un film ravissant est l’une des blagues préférées du cinéma français. Second long métrage de Gérald Hustache-Mathieu (après AVRIL), POUPOUPIDOU est en effet une œuvre toute simple, dans le bon sens du terme. Les dialogues sont fins et le scénario, limpide, ne cherche pas l’effet comique à tout prix. L’usage pourtant risqué des flash-backs et de la voix off n’est jamais intrusif et "GHM" se permet quelques envolées visuelles intrépides mais réussies. L’humour décalé et les séquences oniriques contrebalancent même habilement la noirceur du récit.

Surtout, Sophie Quinton (muse d’Hustache-Mathieu depuis ses débuts) est envoûtante en wannabe Marylin au destin tout aussi tragique. Dieu merci les références à la belle Norma Jane sont exploitées avec modération et donnent même à la Franche-Comté un petit goût d’Amérique inattendu. Ecrit, mis en scène et réalisé par un des nouveaux espoirs du cinéma français, POUPOUPIDOU est un film d’auteur et de genre à la fois, audacieux, divertissant et bien ficelé. Grâce à lui, un mythe local est né.

POUPOUPIDOU, de Gérald Hustache-Mathieu (DVD Diaphana)

Article écrit pour la revue Alibi

Histoire du chat culotté (Le Chat du rabbin, de Joann Sfar)

2011-06-26T16:14:00.005+02:00

Auteur de bande dessinée prolifique, Sfar avait révélé dans Gainsbourg vie héroïque (César du meilleur premier film, entre autres) un sens inventif de la mise en scène et de la direction d’acteurs, offrant à Eric Elmosnino ("Serge") et à Laetitia Casta (Brigitte Bardot) deux de leurs pus belles performances. L’impertinent touche-à-tout – qui a aussi scénographié l’exposition "Brassens ou la liberté" actuellement à la Cité de la musique – poursuit son exploration décomplexée du 7e art avec un film d’animation irrésistible.

Alger, années 1920. Le rabbin Sfar ne sait plus où donner de la tête. Sa fille, Zlabya (à qui Hafsia Herzi prête sa gouaille ensorcelante) expose un peu trop son corps de déesse aux regards des garçons. On le menace de supprimer son poste. Quant à son chat, en engloutissant un perroquet trop prolixe, il a mystérieusement développé l’usage de la parole. Depuis, le matou drague sa maîtresse sans la moindre pudeur, exige de faire sa Bar-Mitsva mais crie à tout va que dieu n’existe pas.

Au bord de la crise de nerfs et pour prouver sa valeur, le rabbin s’embarque dans un improbable road trip à la recherche d’une Jérusalem imaginaire où vivraient des Juifs noirs, en compagnie d’un peintre russe romantique, d’un ancien soldat alcoolique et d’un poète musulman…

On retrouve dans LE CHAT DU RABBIN les ingrédients qui firent le succès de sa série de BD éponyme : un trait dynamique, des couleurs chaudes, un sens brillant du dialogue et de la répartie et surtout, de voluptueuses héroïnes aux caractères bien trempés. Un réalisateur plus sérieux aurait assommé le spectateur à coup de bonnes intentions humanistes politiquement correctes. Pas Sfar, qui ne respecte que l’intelligence et l’humour et s’amuse comme un garnement surdoué de convictions religieuses – juives, musulmanes et chrétiennes – pas toujours cohérentes.

En plein débat sur « l’identité nationale », son insolent félin prend même des allures de mascotte pour l’amitié entre les peuples. La preuve qu’on peut rire de tout, à condition que le talent suive.

LE CHAT DU RABBIN, de Joann Sfar et Antoine Delesvaux (En salles)

Article écrit pour le magazine Be

San Francisco, ville très ouverte (Mary Ann en automne, d'Armistead Maupin)

2011-06-21T21:55:00.005+02:00

Vingt ans après avoir lâchement abandonné sa petite communauté bohème de San Francisco, Mary Ann Singleton revient sans crier gare dans la vie des ex colocs du 28 Barbary Lane. Mais la ville n’est plus tout à fait le paradis hédoniste de ses souvenirs. Son ancienne logeuse, l’excentrique Anne Madrigal, a dépassé les quatre-vingt ans. Son meilleur ami, l’éternel séducteur Michael Tolliver est désormais rangé, marié à un jeune jardinier. Et sa fille adoptive, Shawna, est devenue une célébrité locale grâce aux "Quatre cent coups d’une coquine", un blog sexo à faire rougir une héroïne du X. Mary Ann les a déçus, mais elle a besoin d’eux, pour une question de vie ou de mort…

Pour relancer sa mythique série débutée en 1978, Armistead Maupin a choisi de se concentrer sur son personnage le plus fascinant. C’est à travers Mary Ann, ambitieuse journaliste fraichement débarquée sur la côte ouest, que l’Amérique avait découvert toute une sous-culture jusqu’alors ignorée – voire méprisée – par de la littérature populaire. Subversives mais addictives, LES CHRONIQUES DE SAN FRANCISCO interpelaient tous ceux qui s’y plongeaient, hétéros ou gays, bourgeois coincés ou militants de la liberté sexuelle. Bien plus convainquant que le précédent – MICHAEL TOLLIVER est vivant – MARY ANN EN AUTOMNE prouve que Maupin n’a rien perdu de sa capacité à élaborer des canevas comi-tragiques complexes. Les regrets, les peurs et les rêves laissés en suspens sont au cœur de ce roman bouleversant, nostalgique mais optimiste, grâce au développement salvateur de nouveaux personnages. LES CHRONIQUES… ont encore de beaux jours devant elles.

MARY ANN EN AUTOMNE, d’Armistead Maupin (Editions de l’Olivier)

Article rédigé pour le magazine Be en mai 2011

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Le sceau de Bergman

2011-06-15T18:43:00.007+02:00

"C'est l'ombre de la mort qui donne son relief à la vie", disait Ingmar Bergman, le maître du cinéma suédois. Une vie dans laquelle les personnages féminins jouent un rôle de premier plan.

Article rédigé pour la revue Muze (Printemps 2011)

De toutes les femmes imaginées par Ingmar Bergman (1918-2007), il en est une en particulier dont le prénom reste gravé dans les mémoires : l’insouciante insoumise Monika (Harriet Andersson), partie vivre d’amour et d’eau fraîche sur une île avant d’être rattrapée par la réalité. Cheveux au vent, poitrine offerte, l’héroïne d’UN ETE AVEC MONIKA (1953)* se donne à son amant sur une plage et choque la Suède encore très puritaine, toujours pas remise de la sortie deux ans plus tôt d’un autre portrait explicite d’amours adolescents : le magnifique ELLE N'A DANSE QU'UN SEUL ETE, d’Arne Mattsson. Voilà le pays étiqueté "chantre de la libération sexuelle" et Bergman, "cinéaste de la femme".

Le réalisateur distille un peu de lui dans tous ses films et son rapport à la famille, au couple ou à la religion imprègnent chacun de ses personnages. Or, le jeune Ingmar, fils d’un pasteur luthérien rigoriste obsédé par le péché grandit entouré de femmes, ce dont il se souviendra dans son film-testament, FANNY ET ALEXANDRE (1982). Avec sa mère, il entretient une épuisante relation amour-haine, trouvant du réconfort auprès de sa grand-mère (qui lui fait découvrir les salles obscures) ou de toutes celles dont il tombera amoureux : Esmeralda, princesse imaginaire ; Märta, son grand amour platonique ou la « laide »** et plantureuse Anna, avec qui il expérimente à 14 ans plaisirs et douleurs de la chair – le petit couple se dispute et en vient parfois aux mains –, comme un prémisse aux montagnes russes qui jalonneront sa future vie sentimentale. Marié cinq fois, il aura de nombreuses maîtresses, dont certaines de ses actrices fétiches : Harriet Andersson, Bibi Andersson ou Liv Ullmann, mère de l’un de ses neuf enfants.

Aucun doute donc, sur la passion de Bergman pour les femmes. Mais la liberté de ton qu’il accorde à ses héroïnes n’en fait pas pour autant un cinéaste féministe. Le schéma véhiculé par ses films est même terriblement classique. On y retrouve tous les clichés de la vieille société chrétienne, opposant deux types de femmes : celles vouées au mariage et à l’enfantement et toutes les autres. Prostituées (Berit, dans VILLE PORTUAIRE en 1948) ou assimilées : la jolie Doris (Harriet Andersson) de RÊVES DE FEMMES (1955), se laisse "acheter" par un homme qui pourrait être son père ; Monika sacrifie mari et enfant pour s’offrir une nouvelle vie. Même lorsqu’il s’intéresse aux communautés de femmes en apparence indépendantes (L'ATTENTE DES FEMMES ; RÊVES DE FEMMES), toutes ne rêvent finalement que du retour d’un amant ou d’un époux.

Ces héroïnes ont cependant un point commun : à l’écoute de leurs corps et de leurs désirs, elles savent aimer et exigent que l’on prennent en compte leurs besoins. "Dieu a dû créer la femme d’abord, se dit David, le gynécologue infidèle et cocu d’UNE LEçON D'AMOUR (1954). Puis il a inventé l’homme parce qu’elle s’ennuyait et qu’il fallait bien que quelqu’un satisfasse ses désirs charnels." Un constat qui l’amuse autant qu’il l’agace.

Car l’homme bergmanien, s’il ne doute pas vraiment de sa virilité, est souvent mauvais mari et piètre amant, ce qui causera d’ailleurs l’une ses SCENES DE LA VIE CONJUGUALE (1974) de Marianne (Liv Ullmann) et Johan (Erland Josephson). Il est incapable de comprendre ces êtres du sexe opposé dont il ne peut pourtant se passer. A l’image d’un autre Johan (Max von Sydow), le peintre de L'HEURE DU LOUP(1968), débordant de fantasmes mais handicapé sentimental avec sa femme Alma (Liv Ullmmann), dont il se contente de dessiner les courbes gracieuses. "Pas de cinéma plus hétérosexuel – angoisse de l’homosexualité incluse – que celui d’Ingmar Bergman"***, résume le critique Jacques Aumont.

Les femmes en revanche, sont bien plus puissantes. Peut-être parce qu’elles ont la capacité d’être cruelles : elles se vengent des hommes qui les blessent (l’épouse du gynécologue "recycle" un vieil amant), les humilient (Monika trompe son époux sans désir pour s’assurer qu’il ne la pardonnera pas) et se sacrifient si besoin (dégoûtée par son mari, la jeune Karin de CRIS ET CHUCHOTEMENTS se mutile le sexe).

Solides, fragiles et lucides à la fois, elles demeurent toujours du côté de la vie quand l’homme s’empêtre dans le doute et les regrets. Souvent interprétées par la comédienne Eva Dahlbeck et inspirées par la troisième épouse de Bergman, la journaliste Gun Grut, ces femmes bafouées mais fortes représentent à ses yeux "les porte-parole de la féminité victorieuse". Filmer les visages de ces Andromaque, Phèdre ou Antigone du quotidien revient pour Bergman à filmer toute la condition humaine, dans sa beauté et sa complexité.

Pamela Pianezza

* Les DVD de la plupart des films cités sont édités chez Opening ou MK2 en versions restaurées et commentées par des cinéastes français.

** Toutes les citations d’Ingmar Bergman sont extraites de son autobiographie, Laterna Magica (Folio, 1987)

***Ingmar Bergman, "Mes films sont l’explication de mes images", de Jacques Aumont (Cahiers du cinéma, 2003)

Big big love (LE POLYGAME SOLITAIRE, de Brady Udall)

2011-05-28T01:24:00.005+02:00

Qui y a-t-il de plus compliqué dans la vie d’un homme en pleine crise de la quarantaine que d’avoir à gérer un foyer, une femme, une maîtresse et un enfant ? Jongler entre trois domiciles, quatre épouses, une liaison et vingt-huit gamins. C’est pourtant le challenge quotidien du très mormon Golden Richards, qui n’a malheureusement rien d’un super héros. Il est même désespérément banal et c’est là la première surprise du POLYGAME SOLITAIRE de Brady Udall (Albin Michel).

Loin du cliché du patriarche charismatique tenant d’une main de fer son petit monde, Golden ose à peine franchir le pas de sa porte quand il est en retard au dîner. Il trépigne la vessie pleine devant sa salle de bain en attendant qu’une de ses filles veuille bien finir de se maquiller et Trish, sa plus jeune conjointe d’à peine 30 ans, lui passe des savons pour tout et n’importe quoi. Pour ne pas froisser son harem, le "chef de famille" mène donc une double vie, trouvant le réconfort dans les bras de "Madame n°5" et travaillant en secret à la construction d’un bordel pour sauver son entreprise en bâtiment…

Peut-être fallait-il un arrière arrière arrière petit fils de polygame pour raconter avec autant de finesse et d’humour les paradoxes d’une vie de mormon au XXIe siècle. Brady Udall joue avec les fantasmes plus ou moins lubriques qui entourent ce mode de vie ancestral et mystérieux. Il s’en approche quand il décrit les formules arithmétiques censées déterminer qui dort avec qui chaque soir. Il s’en éloigne en imposant à ses personnages des plaisirs et des angoisses universels qui nous bouleversent autant qu’eux. Le rôle d’un écrivain n’est pas de faire la morale. Si ce n’est quand il rappelle cette bonne vieille maxime : quand on aime, on ne compte pas.

LE POLYGAME SOLITAIRE, de Brady Udall (Albin Michel)

Critique publiée dans Be en avril 2011.

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GOOD MORNING CANNES !

2011-05-10T23:07:00.005+02:00

PENDANT CANNES, MARY GOODNIGHT DEMENAGE...

SUR ALIBI.COM, pour discuter film noir...

SUR PALMARES MAGAZINE pour discuter d'un peu tout (et notamment de cinéma nordique)...

ET SUR THE LOST FILM CRITIC.tumblr.com pour les coulisses du festival...

Et puis bien sûr sur Twitter @thelostfilms...

The F word (Les nouveaux nouveaux mystères de Paris, de Cecile Vargaftig)

2011-05-02T14:22:00.007+02:00

En général, un écrivain décide de tout dans ses romans. Pas Cécile Vargaftig qui demande poliment la permission à Frédérique, son personnage fétiche, avant de lui faire reprendre du service. Du coup, Fred fait sa capricieuse. Se retrouver sur le devant de la page ? Encore ? Ok pour cette fois. Mais elle veut de l’aventure, des voyages, du suspense… Pas une simple histoire de fesses, comme dans les épisodes précédents.

Car Cécile a une fâcheuse tendance à l’autofiction et aime façonner ses héroïnes à son image. Du coup, Frédérique, qui elle aussi aime les filles (même s’il lui arrive de goûter aux garçons), reproche à sa créatrice de l’utiliser pour pimenter sa vie sentimentale par procuration…

Difficile de résumer l’intrigue du dernier ovni littéraire de Cécile Vargaftig. Dans Les Nouveaux nouveaux mystères de Paris (Au diable Vauvert), elle brouille avec malice la frontière entre fiction et réalité, dialoguant avec son personnage, laquelle discute avec un chat femelle amateur de Rimbaud.

Ces trois voix féminines se mêlent et d’un ton badin, réfléchissent à des questions bien plus sérieuses qu’elles n’en ont l’air. La place du sexe dans la littérature par exemple. Pourquoi les hommes qui écrivent se sentent-ils obligés d’inclure "la" scène de cul ?, se demande Frédérique, qui n’a aucune envie de passer à la casserole. A croire qu’ils n’ont aucune idée de ce qui excite réellement les femmes…

Sous ses airs de dilettante, Cécile Vargaftig signe un roman féministe brillant et militant, gay friendly mais pas hétérophobe et surtout, ultra contemporain. Une ode au plaisir et à la liberté.

Les Nouveaux nouveaux mystères de Paris, de Cécile Vargaftig (Au diable Vauvert)

Critique publiée en avril dans le magazine Be

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L'escroc qui lisait (Comment je suis devenu un écrivain célèbre, de Steve Hely)

2011-05-02T14:09:00.006+02:00

Si "devenir une rock star de la littérature" figure parmi vos bonnes résolutions pour 2011, ce roman devrait s’installer durablement sur votre table de chevet.

Célibataire sur-diplômé en coloc avec un loser, Pete Tarslaw se contentait très bien de la banalité de son existence jusqu’à réception d’un faire-part de mariage déprimant. Polly, son ex, s’apprête à convoler avec un Australien forcément beau et musclé. Plutôt que de refuser l’invitation, Pete décide de consacrer les quelques mois qui le séparent de la noce à devenir un être exceptionnel : un écrivain riche, célèbre et heureux propriétaire d’une demeure au bord de l’océan.

D’autres avant lui se sont casser les dents sur les marches glissantes des maisons édition, mais Pete – à moins qu’il ne s’agisse de l’auteur — a pour lui un sens inné de l’opportunisme et un mauvais esprit à toute épreuve. Son mantra : trouve ce que les lecteurs aiment qu’on leur raconte et tu tiendras ton roman !

Quelques heures dans une librairie lui révèlent les ingrédients littéraires préférés de la ménagère bibliophile : les fêtes de Noël sauvées in extremis par un père divorcé maladroit, les détectives en costumes chics, les chiens, la seconde guerre mondiale, les noms de plantes en latin et les secrets de famille qui ressurgissent au mauvais moment. Dès lors, à quoi bon user son énergie à rédiger un chef d’œuvre ?

Cynique assumé, Pete serait un personnage détestable si Hely ne l’avait pas doté d’un irrésistible sens de l’autodérision. L’écrivain (le vrai) feint de défendre l’idée taboue selon laquelle les best-sellers seraient des produits marketings comme les autres. En vérité, il épingle tous ceux qui font de la littérature un faire-valoir. Car parodier avec humour la mauvaise prose des autres suppose un talent irrévérencieux mais certain, dont Hely est largement doté.

Comment je suis devenu un écrivain célèbre, de Steve Hely (Sonatine)

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Critique publiée en avril 2011 dans le magazine Be

Promenons nous dans les champs... (Il était une fois un meurtre, de Baran Bo Odar)

2011-04-20T21:47:00.010+02:00

Une bicyclette est découverte dans un champ de blé. Sa propriétaire a disparu à l’endroit même où, vingt-trois ans plus tôt, une autre adolescente était assassinée.

Un thriller moite et déconcertant, prix du jury au Festival International du Film Policier de Beaune, par un tout jeune réalisateur suisse.

Critique publiée dans le magazine Alibi #1 (janvier 2011)

1986, dans une campagne allemande. Deux hommes au volant d’une voiture rouge suivent une adolescente à bicyclette. L’un d’eux, Peer (Ulrich Thomsen), la rattrape au milieu d’un champ de blé, la viole et l’assassine sous les yeux du second, Timo (Wotan Wilke Mohring), qui finit par s’enfuir. Aucun mystère sur les coupables de ce crime : leur identité est révélée dès la scène d’ouverture. Ce qui ne suffit pas forcément à leur imputer la disparition d’une nouvelle jeune fille, au même endroit, vingt-trois ans plus tard.

L’étiquette "thriller psychologique" prend ici ton sens : l’attention du spectateur est d’emblée détournée et l’essentiel n’est plus "qui ?", mais "pourquoi ?". Abattus par la chaleur d’un été caniculaire, chacun des protagonistes de ce drame voit ressurgir des secrets et des angoisses qu’ils pensaient enterrés : la mère de la première victime ; le policier qui n’a pas su boucler l’enquête, désormais retraité (Burghart Klaussner) ; son jeune successeur, incapable de se concentrer sur une affaire depuis la mort de sa femme ; Timo, qui refuse d’admettre ses penchants pédophile ; Peer, qui semble vivre comme si de rien n’était…

La caméra s’immisce dans leur quotidien et étudie minutieusement l’impact de ce nouveau crime sur leur état mental. L’élégance de la photographie contraste avec la noirceur du récit. Comme dans le roman de Jan Costin Wagner (LE SILENCE), la violence est sourde, ce qui crée, paradoxalement, un sentiment de malaise : l’observation passive de criminels en liberté et de policiers impuissants n’est pas un exercice facile pour le spectateur travaillé par sa conscience. Mais Baran Bo Odar, 33 ans - IL ETAIT UNE FOIS... est son second long métrage - aime jouer avec les nerfs de son public. Miser sur le poids du silence comme ressort dramatique était un pari déconcertant mais audacieux qui donne à son thriller un goût étrangement marquant.

IL ETAIT UNE FOIS UN MEURTRE, de Baran Bo Odar, avec Ulrich Thomsen, Wotan Wilke Mohring, Burghart Klaussner, Katrin Sass, Sebastian Blomberg (En salles le 27 avril 2011)

L'Afghanistan sur grand écran (Festival du film de Mannheim)

2011-04-18T20:44:00.013+02:00

Au festival de Mannheim-Heidelberg 2010, trois longs métrages interrogeaient la présence occidentale en Afghanistan, qu’elle soit militaire (ARMADILLO), culturelle (ACT OF DISHONOUR) ou économique (KANDAHAR BREAK). Si ce dernier film contribue à véhiculer les clichés, les deux autres abordent le conflit sans manichéisme en jouant avec les codes du film de guerre, de la fiction et du documentaire.

Article rédigé pour la revue Séquences n°270 (janvier-février 2011)

Que le festival international du film de Mannheim-Heidelberg – dont la 59ème édition s’est tenue en novembre dernier – ait choisi de programmer trois films s’interrogeant sur la présence occidentale en Afghanistan mérite réflexion. Jusqu’ici, le thème avait essentiellement été traité selon deux approches – le romanesque ou le témoignage – ayant donné lieu à d’excellentes fictions ou documentaires, mais commençant à montrer leurs limites, à l’image de KANDAHAR BREAK (2009), simili blockbuster du britannique David Whitney.

PRESENCE ECONOMIQUE

Dans ce thriller mélodramatique sur fond politique, un démineur anglais embauché par le gouvernement Taliban et accusé de trahison doit fuir vers le Pakistan pour sauver sa peau et celle de son interprète. On tremble pour les gentils et on honnit les méchants selon un schéma simpliste divisant le monde en deux.

Whitney ne manque pas de bonnes intentions et son film a le mérite d’illustrer efficacement le principe ancestral des externalités négatives : pays en guerre = reconstruction = marchés potentiels et afflux d’occidentaux. Or, justement parce qu’il répond sans nuance à toutes les questions qu’il soulève, KANDAHAR BREAK demeure, avant tout, un film de divertissement.

Deux autres longs métrages ont choisi une approche plus fine, étrangement dépassionnée et donc dérangeante et polémique : ARMADILLO (2010), du Danois Janus Metz, grand prix de la Semaine de la critique à Cannes et ACT OF DISHONOUR (2010), de la réalisatrice canadienne Nelofer Pazira. Le premier est un documentaire qui se regarde comme une fiction. Le second, une fiction qui pourrait facilement passer pour un documentaire. Présence militaire Durant six mois, Janus Metz a été autorisé à suivre une section de jeunes soldats dans la dangereuse province d’Helmand, au sud-ouest de l’Afghanistan.

Dernière beuverie au pays, adieux aux familles en larmes… Les premières séquences d’ARMADILLO – bruyantes et ultra rythmées – ressemblent à celles d’un film de guerre hollywoodien. Mais passée la découverte du camp et les montées d’adrénaline des premières patrouilles, l’excitation des troupes retombe : on leur avait promis de l’action, hors il ne se passe rien. Metz assume un point de vue purement subjectif, excluant le monde extérieur de son cadre. Sa caméra n’offre à voir que ce que le soldat voit. Quand il s’affole et tombe, elle aussi et notre regard part avec elle vers le ciel. "

Embedded" au sens propre, Metz réalise une plongée édifiante dans la psyché de ces jeunes recrues, qui toutes suivent le même schéma. D’abord, la fascination pour tout ce qui les entoure. Puis, l’ennui : attente interminable d’un ennemi invisible, tentatives infructueuses de fraterniser avec une population qui n’a rien à gagner à collaborer avec l’occupant…

Metz restitue parfaitement l’étouffante conscience du temps qui passe et de la mort qui rôde ainsi que le sentiment d’impuissance (voire, d’absurdité) gagnant tout soldat confronté à un adversaire dont il ignore tout. "Comment reconnaît-on un taliban d’un civil afghan ?", s’informe une nouvel arrivant. "Un taliban ressemble à un Afghan, sauf une fois qu’il a braqué son fusil sur toi", répond l’aîné dans une scène digne du DESERT DES TARTARES (1940), chef d’œuvre kafkaïen de Dino Buzzati.

Arrive ensuite l’ivresse de l’action quand, enfin, l’ennemi se découvre. Metz accompagne l’euphorie post-combat d’une bande-son sur-excitée qui contribua à alimenter la polémique autour d’ARMADILLO, accusé de glorifier la guerre et d’esthétiser l’horreur sans la dénoncer (la photographie, ultra léchée, ne colle pas avec l’image "réaliste" habituellement accolée au documentaire). Réponse de l’intéressé : "J’ai voulu montrer que la guerre crée une sorte d’hyper-réalité dans laquelle il devient difficile d’évoquer la mort ou l’extrême violence. Bombardés d’informations et nourris de jeux vidéo, les jeunes gens du film ont du mal à se considérer comme des soldats au combat car ils n’arrivent plus à percevoir la réalité telle qu’elle est. C’est pour cela que le film offre une représentation poétique de la réalité".

Après la joie, les larmes et la colère. Les Danois connaissent leurs premières pertes et les médias évoquent des "bavures" : un traître renseigne la presse depuis ARMADILLO. La paranoïa prend le relais et avec elle, le repli sur le groupe. La toute dernière étape dépendra de la capacité du soldat a prendre du recul : pour un seul, ce sera la désillusion. Sa mission terminée, il retournera à la vie civile. Pour les autres, l’aliénation : tous demanderont à repartir, si possible en Afghanistan. Cette information livrée durant le générique final conclut une démonstration implacable bien que peu professorale.

En se plaçant en retrait de son sujet (les anti-Armadillo auraient souhaité un commentaire en voix off), Janus Metz a adopté la distance parfaite des faux impassibles : le réalisateur interroge, il n’invente pas des réponses qu’il n’a pas.

PRESENCE "AMIE"

Ce souci de donner au spectateur des pistes de réflexion sans trancher à sa place se retrouve dans ACT OF DISHONOUR, de Nelofer Pazira. Mena, 15 ans, s’apprête à épouser Rahmat, qui lui plait bien (trop attendue, la question du mariage arrangé ne servira donc pas de ressort dramatique). Son rêve : être vêtue d’une burqa durant sa nuit de noces (pour se faire désirer, laisse-t-elle entendre). "Dans mon village, les femmes n’en portent jamais, sauf ce soir là", explique-t-elle à Megjan, jeune femme d’origine afghane venue accompagner une équipe de tournage. En échange de son apparition dans le film, Megjan s’engage à lui offrir l’un des "costumes" du film.

L’adolescente accepte mais n’obtiendra jamais le bien promis : le réalisateur tient à la payer en salaire et non en lui fournissant ce qu’il ne peut voir autrement que comme une prison. Ne pouvant brandir sa burqa pour prouver sa bonne foi, Mena sera dans l’incapacité de se défendre face aux hommes du village qui l’accusent d’avoir côtoyé des étrangers. Elle sera condamnée à mort.

Nos principes moraux ne sont ici d’aucune utilité et Nelofer Pazira nous place dans une position impossible : on comprend à la fois pourquoi l’adolescente rêve de se voiler, pourquoi le réalisateur campe sur ses positions et même pourquoi le père « confie » à son gendre le soin de tuer sa fille "sans qu’elle souffre" (s’il ne s’en charge pas lui-même, les villageois ont promis de régler le sort de Mena et de ses petits frères). On comprend, enfin, pourquoi Rahmat ne trouve ni le courage d’abattre sa promise, ni celui de la ramener au village. Or, le fait de comprendre les motivations de chacun des acteurs de cette tragédie (sans pour autant les partager) heurte nos croyances intimes et procure, selon les spectateurs et la réponse qu’ils apportent au dilemme du réalisateur, un désagréable sentiment d’impuissance ou de complicité.

Nelofer Pazira ne juge pas. L’occidental n’a ni le bon, ni le mauvais rôle et la mise en abyme à laquelle elle recourt tout comme le fait qu’elle interprète elle-même l’insaisissable personnage de Megjan, témoignent de sa volonté de partager avec nous ses questionnements et ses inquiétudes, sans tenter de nous influencer par des positionnements moraux préconçus. Rares sont les films qui, comme ARMADILLO et ACT OF DISHONOUR, parviennent à parler sans manichéisme d’une guerre qui court toujours.

Lire le compte-rendu / conversation du festival de Mannheim- Heidelberg par Léo Soesanto sur le blog Ciné/télé/séries des Inrocks.

Bête de scène (Vénus noire, d'Abdellatif Kechiche)

2011-04-10T13:27:00.008+02:00

Pour son premier long métrage en costumes, le Français Abdellatif Kechiche a choisi de rappeler au monde l’histoire de Saartje Bartman, jeune sud-africaine callipyge exilée en Europe pour y devenir artiste et exhibée comme un monstre jusqu’à sa mort en 1815.
Indispensable et puissant, tout en clair-obscur moralement et sans concession pour le spectateur, le film repose sur les épaules d’une actrice débutante et sublime, Yahima Torres, dont le charisme crève l’écran.

Article rédigé pour la revue Séquences n°269 (novembre-décembre 2010)

En France, on se souvenait, au mieux, de son surnom : la "Vénus hottentote", cette jeune sud-africaine callipyge exhibée en Europe comme un monstre de foire et dont l’Académie des sciences, déçue de n’avoir pas pu observer plus tôt ses organes génitaux hypertrophiés, disséqua la dépouille immédiatement après sa mort en 1815, avant de confier ce qu’il en restait au musée de l’Homme de Paris qui l’exposa jusqu’en 1976. Son véritable patronyme était, lui, tombé dans l’oubli : Sarah "Saartje" Bartman.

En filmant Vénus noire, Abdellatif Kechiche s’est imposé un devoir de mémoire qu’il transmet utilement mais douloureusement au spectateur. On savait le réalisateur taraudé par la question des contours et des différentes expressions de l’identité française, explorés dans ce qui constitue, avec du recul, une véritable trilogie naturaliste : La Faute à Voltaire ; L’Esquive ; La graine et le mulet. Avec Vénus noire, son premier long métrage historique et en costumes, Kechiche engage son récit et ses peintures de l’exclusion sociale hors des frontières de l’hexagone. Il pousse aussi beaucoup plus loin sa "méthode" : tourner au numérique des images en apparence dépouillées (le "décorum" historique ne l’intéresse pas), y compris sur le plan sonore, mais étudiées au millimètre près ; prendre tout le temps qu’il juge nécessaire pour montrer ce qu’il a à dire.

Black Venus est donc un film long (2h40), éprouvant et sans concession pour le spectateur. Il s’ouvre dans l’amphithéâtre d’une faculté des sciences, en 1817. Devant un auditoire bouche bée, l’anatomiste Georges Cuvier commente avec passion les conclusions de son étude de la Vénus morte : "Je n’ai jamais vu de tête humaine plus semblable à celle des singes". Flashback, sept ans plus tôt. Nous sommes à Londres où Caezar (Andre Jakobs), dompteur star d’une foire aux monstres, invite un public de gueux à tripoter sa "sauvage apprivoisée". Puis à Paris où Réaux (Olivier Gourmet) propose aux riches libertins de chevaucher une Bochimane pour pimenter leurs soirées mondaines. Puis dans un bordel "au choix" où le client est roi. Puis sur le trottoir où finira Sarah (Yahima Torres, une révélation). Retour à l’université : Sarah n’est plus. Cuvier se livre sur son cadavre à une véritable boucherie tandis que dans la pièce à côté, l’artiste Jean-Baptiste Berré sculpte et peint amoureusement le corps de la jeune femme. Rideau.

La vie de Sarah fut une succession de viols et d’humiliations. Le film de Kechiche enchaîne ces séquences qu’il étire jusqu’aux limites du supportable et c’est cette répétition froide qui provoque la souffrance. La science, le cirque, la bonne société parisienne…Tout est spectacle. Le public change mais se ressemble : qu’ils endossent le costume du savant, les jupons d’une bourgeoise ou les guenilles d’un pouilleux, tous portent le même regard déshumanisé. Le même que l’on retrouve au XXIème siècle dans La graine et le mulet lors de cette longue, douloureuse et sublime danse du ventre qu’offre Rym (Hafsia Herzi) aux notables sétois.

Kechiche use du champ – contre-champ pour présenté un monde coupé en deux : d’un côté les voyeurs surexcités face à l’inconnu(e), de l’autre l’objet de leurs peurs et de leurs désirs, mutique et renfermée sur sa solitude. L’artiste qui la croque à l’aquarelle lors d’un pique-nique improvisé dans les jardins du Muséum (unique moment de répit) semble le seul capable de ressentir ce que Vénus inspire : l’admiration et le respect. Jamais pourtant, le point de vue du spectateur (du film) n’est assimilé à celui du public de Vénus : paradoxalement, le recours aux gros, voire aux très gros plans (sur les visages de Saartje, de la foule) impose une distance salvatrice.

Dans sa construction du personnage, Kechiche a également choisi le clair-obscur, enveloppant Vénus d’une part de mystère volontairement dérangeante : face à la justice qui souhaite la "libérer" de Caezar, elle refuse de se voir en victime et se dit "partenaire" du bourreau. Qui tente-t-elle de convaincre ? Elle-même ou tous les autres ? Kechiche ne tranche pas. Son ton est juste parce qu’il prend acte mais jamais parti. Étonnant donc, qu’il ait jugé utile d’intégrer dans son générique final les images d’archives du retour au pays de Saartje (la France et l’Afrique du sud se sont écharpées pendant presque dix ans avant que Paris n’accepte de restituer le corps à la ville du Cap en 2002). La Vénus noire est un film puissant justement parce qu’il ne se mêle pas de politique, simplement de cinéma.

— France 2010, 159 minutes — Réal. : Abdellatif Kechiche —Scén. : Abdellatif Kechiche — Images : Lubomir Bakchev, Sofian el Fani — Mont. : Camille Toubkis, Ghalya Lacroix, Laurent Rouan, Albertine Lastera— Mus. Slaheddine Kechiche — Son : Nicolas Waschkowski, Jean-Paul Hurier – Dir. art. : — Cost. : — Int. : Nom de l’interprète (Nom du personnage) — Prod. : Marin Karmitz, Nathanaël Karmitz, Charles Gillibert — Dist. : MK2 Avec : Yahima Torres : Saartjie Baartman (la Vénus hottentote) Olivier Gourmet : Réaux Andre Jakobs : Caezar Elina Löwensohn : Jeanne

Serial writer : rencontre avec Jo Nesbø (Le Léopard)

2011-04-05T21:45:00.009+02:00

Jo Nesbø aime faire trembler la Norvège avec des histoires de tueurs en série qu’il confie à son colossal détective Harry Hole.
Dans Le Léopard, pavé brillant et torturé, l’auteur du Bonhomme de neige récidive et lance son héros sur les traces d’un meurtrier aux techniques cruellement sophistiquées…
Rencontre.

Comment est né Harry dans votre imagination ?

JO NESBø : Harry Hole est le nom d’un policier du village de ma grand-mère. Je ne l’ai jamais vu mais elle m’en parlait souvent : elle me disait que si je n’étais pas au lit à 20 heures, Hole viendrait me chercher. Je l’imaginais très grand, costaud, avec un regard bleu et froid… Je me suis beaucoup inspiré de cette figure de mon enfance pour créer mon personnage, mais en relisant mon premier roman, j’ai réalisé à quel point j’avais également puisé dans ma propre histoire pour dessiner mon héros, mais aussi mes tueurs.

Pourquoi ce colosse au cœur tendre semble-t-il inapte au bonheur ?

Les lecteurs me reprochent souvent de ne pas lui offrir la paix intérieure. Mais c’est comme ça : Harry est torturé, c’est dans sa nature. Il est attiré par une force obscure… C’est ce qui le intéressant comme personnage, mais cela me complique aussi la tâche car pour un écrivain, passer autant de temps en compagnie d’un dépressif chronique, c’est mentalement épuisant.

A quand une adaptation au cinéma ?

J’ai longtemps dit non à toutes les propositions d’adaptation de ma série. Un film est un médium tellement fort que je craignais que l’image d’Harry à l’écran détruise celle du livre. A moins bien sûr, que Martin Scorcese ne soit à la réalisation… Quand la société de production britannique Working title m’a contacté, j’ai d’abord refusé avant d’apprendre qu’ils avaient produit Fargo, des frères Coen. Et voilà comment j’ai accepté que l’on adapte Le Bonhomme de neige…

Quel est votre rapport au cinéma ?

J’aime adorer des films que tout le monde déteste. Watchmen ou The Killer Inside me par exemple, ont reçu de très mauvaises critiques en Norvège. Moi je les ai trouvés géniaux ! Mais notre film préféré à Harry et moi, c’est Starship troopers, dont tout le monde se moque.

Après Harry, à quoi ressemblera votre nouveau héros ?

J’ai déjà une nouvelle idée de héros : un type très difficile à aimer. Un avocat prétentieux et infidèle. Une sorte de Don Drapper, mais moins séduisant et raciste. Je le doterai de tous les défauts et si j’arrive à la rendre attachant pour le lecteur, j’aurai fait mon boulot.

Propos recueillis à Paris en décembre 2010 pour le magazine Be.

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Unusual suspects (Easy Money, de Daniél Espinosa)

2011-04-05T21:29:00.006+02:00

Plongée inédite, palpitante et sexy dans les bas-fonds de la capitale suédoise, Easy money marche élégamment sur les plates-bandes de la série The Wire ou de la trilogie Pusher.

Cernés par les polars rouges et noirs de Stieg Larsson ou Camilla Läckberg, on avait fini par sous-estimer injustement les compétences des criminels scandinaves. Or, si la Suède produit d’excellents serial killers et de compétents politiciens corrompus, elle n’a pas à rougir de ses dealers de coke. Une vérité désormais rétablie par un réalisateur de 34 ans, Daniél Espinosa, l’un des plus prometteurs serviteurs de sa Majesté Carl XVI Gustaf.

Adaptation réussie du roman Stockholm noir, de Jens Lapidus (Plon), Easy money (Snabba cash en VO) est une plongée inédite dans les bas-fonds de la capitale suédoise. Comme en écho à deux réalisations magistrales — la trilogie Pusher, du Danois Nicolas Winding Refn et la série The Wire, créée par l’Américain David Simon —, on y suit le quotidien de trois criminels, apprenti, petite frappe et gros poisson. Jorge, fraichement évadé de prison, pense se faire du fric sur le dos d’un gang de dealers serbes dont l’homme de main, Mrado, est absorbé par ses soucis familiaux. Leur route croise celle de JW, étudiant en école de commerce pour gosses de riches le jour, dealer dans un taxi la nuit.

Daniél Espinosa signe son premier film « grand public » avec l’exigence d’un auteur, grâce à un savant dosage entre scènes spectaculaires et plongée dans l’intimité de personnages finement bâtis. Si Easy money ne renouvèle pas le genre du film de gangster, il s’inscrit élégamment dans la tradition du polar sociologique. Le montage, efficace et tendu, évite les pièges traditionnels des films choraux (bavardages, longueurs, redondances…) et rompt la linéarité de la narration grâce à d’intéressantes libertés temporelles.

Le casting offre deux révélations : le svelte Joel Kinnaman (JW), parfait en wannabe bling-bling et Dragomir Mrsic, braqueur de banques reconverti en un Mrado charismatique et convainquant. Quant au scénario, confié à Maria Karlsson, il se détache intelligemment du roman, dont il ne garde que la trame.

Le film a été vu par un Suédois sur cinq, y compris par les clients de Jens Lapidus, ténor du barreau de Stockholm spécialisé dans la défense des truands. Il nous raconte d’ailleurs une anecdote que lui aurait confié un flic undercover dans la banlieue sud : chez les criminels de la capitale on trouverait systématiquement deux choses : un poster d’Al Pacino dans Scarface et le premier tome de Snabba cash. Nul doute qu’en cherchant bien, on y découvrirait aussi le DVD du film.

Attiré par l’odeur de l’argent facile, Hollywood a déjà acquis les droits pour un remake dont la production a, heureusement, été confiée aux talentueux suédois de Tre Vänner (à qui l’on doit notamment le très beau Pure, de Lisa Langseth). On leur fait toute confiance. Même lorsqu’ils nous jure que Zach Efron incarnera un JW parfaitement crédible. C’est dire…

Easy money, de Daniél Espinosa (En salles)

L'open space les a tous tués (Théâtre de la Boutonnière)

2011-03-22T18:16:00.012+01:00

Derniers jours pour voir le jeune trublion Sylvain Levey épingler avec une cruauté bien méritée le monde de l'entreprise.

"Dans la joie et la bonne humeur (où comment Bruno a cultivé un helicobacter pylori)", est une pièce réjouisso-déprimante, inspirée de faits on on ne peu plus réels sortis tout droit de l'imagination de l'auteur.

Représentations jusqu'à samedi par la compagnie Issue de secours au théâtre parisien de la Boutonnière.

"Trente deux tableaux.
Deux minutes environ par tableau.
ça fait soixante quatre minutes.

Soixante quatre minutes on va dire que c’est le temps moyen passé par un directeur des ressources humaines pour décider du sort d’un employé (rédaction de la lettre de licenciement comprise).

Vingt deux parcours d’acteurs (employés) personnages comme vingt deux suicides potentiels.

Dans la joie et la bonne humeur (ou comment cultiver un helicobacter pylori) est une comédie où je l’espère les spectateurs (employés) lecteurs riront un fusil en bandoulière."

Photographies : Pamela Pianezza, janvier 2011

Sylvain Levey "Dans la joie et la bonne humeur ou où comment Bruno a cultivé un helicobacter pylori" : un texte écrit par Sylvain Levey pour la Compagnie Issue de secours.

Mise en scène : Pierre Vincent.

Représentations jusqu'au 31 mars à la Boutonnière à Paris (11è).

Littérature nordique : Norvège (2/5)

2011-03-17T23:46:00.006+01:00

Poursuite de notre série en cinq épisodes consacrée aux littératures boréales. Au cas où il faudrait un prétexte : du 18 au 21 mars, le Salon du livre se concentre année sur les "lettres nordiques".

Deuxième escale : la Norvège.

Anne Holt

L’auteur : Avocate spécialisée dans la protection de l’enfance, ex ministre de la Justice, mère d’une petite fille qu’elle élève avec sa compagne… Une femme de caractère, hors du commun, passionnante.

Haine (Le Serpent à plume)

Genre : Les pieds dans le plat. Anne Holt ancre ses polars dans une réalité que même la très ouverte Norvège préfèrerait parfois oublier.

Héros : Vik et Stubø, la profileuse américanophile et son flic de mari

Lieu : Oslo, Bergen, Washington…

Crime : D’abord, l’assassinat d’une bonne sœur. Puis toute une série de meurtres a priori sans rapport. Sauf que…

Notre avis : ***

A lire aussi : Madame la Présidente (***), de la politique fiction américaine à la sauce norvégienne.

Jo Nesbø

L’auteur : Rock & Punk. Aussi efficace que le Connelly de la grande époque (celle du Poète donc), avec un petit côté J"ames Crumley" quand il digresse sans perdre le fil et "Ken Bruen" quand il saccage l’équilibre psychique de son anti-héros.

Le Léopard (Gallimard)

Genre : Morbide, brillant, torturé.

Lieu : d’Hong-Kong à Oslo en passant par l’Afrique noire.

Héros : Harry Hole, colosse aux yeux bleus, souvent shooté, parfois bourré. Rarement bien luné. Emotionnellement incompétent mais terriblement attachant. Spécialiste bien malgré lui des tueurs en série lire Le Bonhomme de neige).

Crime : Un serial killer élimine ses victimes en les noyant dans leur sang selon une technique qui échappe à la police, bien trop occupée à se livrer à une guerre des services.

Notre avis : *****

A lire également : Rouge-Gorge (ne serait-ce que parce que c’est le préféré de l’auteur).

Per Petterson

L’auteur : Ancien libraire, hermite sociable et cultivé au profil de prix Nobel.

Pas facile de voler les chevaux (Folio)

Genre : Romanesque lancinant.

Héros : Trond Sander, 67 ans, sa chienne Lyra et le lac au bord duquel ils se promènent tous les jours. Son "été fondateur" lui revient en mémoire. Il avait 15 ans… Le sujet est potentiellement pathétique, mais traité avec une rudesse poétique qui rappellerait presque Carver.

Lieu : Un petit chalet d’alpage, au fin fond d’une vallée, près de la frontière suédoise.

Notre avis : *****

Tore Renberg

L’auteur : 38 ans seulement et déjà auteur à groupies.

Charlotte Isabel Hansen (Mercure de France)

Genre : Introspection satirique ambitieuse.

Héros : Jarle Klepp, 24 ans, étudiant hédoniste spécialiste de Proust, se découvre père d’une fille de sept ans le jour même du décès de la princesse Diana. L’aventure commence…

Lieu : Bergen

Notre avis : ***

Gunnar Staalesen

L’auteur : "héritier de Chandler et Hammett", annonce l’éditeur. Pour une fois, c’est complètement vrai.

Fleurs amères (Folio)

Héros : Varg Veum, privé plus imbibé que beau (chandlerien donc), qu’on préfère toutefois imaginer aussi sobre et bien bâti que l’acteur Trond Espen Seim depuis qu’on a vu l’adaptation (réussie) de la série sur grand écran.

Lieu : Bergen

Crime : Un cadavre dans la piscine d’une baraque luxueuse, la jolie kiné de Veum qui se volatilise après avoir découvert le corps, des activistes écolo très remontés et une vieille histoire de disparition d’enfant qui refait surface…

Notre avis : ****

Littérature nordique : Islande (1/5)

2011-03-13T22:17:00.011+01:00

Puisque les "lettres nordiques" sont à l’honneur cette année au Salon du livre (du 18 au 21 mars) voici, en cinq épisodes, une sélection de romans venus du froid (et pas seulement des polars).

Première escale : l’Islande.

Steinar BRAGI

L’auteur : A 23 ans il publiait ses premiers poèmes. Aujourd’hui, à 36 ans, Bragi est l’un des auteurs islandais les plus prometteurs de la nouvelle génération.

Installation (Métailié)
Genre : Thriller cauchemardesque, paranoïaque, vertigineux.
Héros : Eva Einarsdottir, de retour dans une Islande qu’elle ne reconnaît plus après avoir vécu des années à New York.
Lieu : Reykjavík, dans un immeuble high-tech suréquipé en matière de surveillance.
Crime : Pour l’instant, aucun. Mais vus l’atmosphère angoissante et les voisins intrusifs, on se dit que ça ne devrait plus tarder…
Notre avis : *****

Einar Mar GUDMUNSSON

L’auteur : scénariste, traducteur (de Ian Mc Ewan notamment), Gudmunsson est une valeur sûre des lettres islandaises.

Le Testament des gouttes pluie (Gaïa)
Genre : Aventure poétique contemplative (et tour de force littéraire).
Lieu : Reykjavík
Héros : Les habitants d’un quartier de la banlieue de Reykjavík. Habituée à vivre en vase clos, la petite communauté menée par son pasteur est confrontée à une tempête qui ravive tous leurs cauchemars.
Notre avis : *****

Arnaldur INDRIDASON

L’auteur : "le Stieg Larsson islandais", pour parler comme les éditeurs, ce qui ne veut pas dire grand chose, si ce n’est que les ventes de ses bouquins écrasent celles de ses compatriotes. Journaliste, scénariste, critique de films et passionné d’histoire (d’où les va-et-vient systématiques entre passé et présent dans ses romans), il est surtout l’un des premiers auteurs, avec Arni Thorarinsson, à avoir popularisé le genre du polar dans son pays.

L’Homme du lac (Points)
Genre : Devoir de mémoire. Comme toujours chez Indridasson, un roman très noir avec peu de cadavres mais des squelettes à déterrer.
Lieu : Un peu partout en Islande.
Héros : Erlendur Sveinsson, commissaire taciturne et peu diplomate abonné aux plats surgelés, tourmenté par sa mauvaise conscience (son frère a disparu, sa fille est toxico…).
Crime : Un squelette vieux de quarante ans découvert au fond d’un lac avec un émetteur radio oriente Erlendur vers les ambassades de l’ancien bloc soviétique qui avaient pris l’habitude d’envoyer des étudiants en Islande.
Notre avis : ****

Gudrun Eva MINERVUDOTTIR

L’auteure : Née en 1976, Gudrun Eva Minervudottir semblevivre sur une autre planète et développe un univers joliment à côté de la plaque. Peut-être le résultat de ses années de vadrouille dans l’Islande rurale ou de ses études de philosophie…

Pendant qu’il te regarde tu es la Vierge Marie (Zulma)
Genre : Historiettes bizarres et envoûtantes
Lieu : Bonne question. Sans doute l’imaginaire mystérieux de Gudrun.
Héros : Des enfants mangeant de la pâté pour chat, les parents adoptifs d’un ficus, une jeune femme attendant dans son lit que Dieu la prenne pour maîtresse…
Notre avis : *****

Sjon

L’auteur : Un ovni, et pas seulement en Islande. Imprévisible et inclassable, on lui doit aussi de drôles de livres pour enfants et les paroles de quelques chansons de Björk ("Bachelorette", "Isobel", "Oceania", "Wanderlust"…)

Sur la paupière de mon père (Rivages)
Genre : Périple initiatique labyrinthique et loufoque, vaguement inspiré du mythe du Golem. Lieu : Sur un paquebot, quelque part entre l’Allemagne et l’Islande.
Héros : Leo Löwe, un juif aterri en Islande après avoir fui l’Allemagne nazie. Son seul bagage : une boîte à chapeaux contenant un petit garçon d’argile à qui il veut insuffler la vie.
Notre avis : *****

Jon Hallur STEFANSSON

L’auteur : Un petit malin (traducteur de JK Rowling…) à qui on ne risque pas de donner le bon dieu sans confession.

Brouillages (Babel)
Genre : Etude de mœurs cynique bien ficelée.
Lieu : Reykjavík
Héros : Valdimar, flic fraichement largué et donc de très mauvaise humeur.
Crime : Björn, un architecte au profil de voisin idéal se fait fracasser la crâne dans sa maison de vacances. Finalement, entre sa femme cocue, son ex-associé alcoolique et un tueur à gages japonais qui traîne dans les parages, tout le monde a une bonne raison de lui en vouloir.
Notre avis : ***

Olafur HAUKUR SIMONARSON

L’auteur : Ancien soixante-huitard ayant perdu ses illusions, l’impitoyable Simonarson ne fait pas vraiment les affaires de l’office du tourisme islandais

Le cadavre dans la voiture rouge (Points)

Genre : Lugubre traquenard provincial.
Lieu : Litla-Sandun petit port perdu au nord de l’Islande.
Héros : Jonas, un type sans attaches (il a perdu femme et boulot) qui accepte d’aller se perdre au nord du pays pour y remplacer l’instituteur disparu du jour au lendemain.
Crime : Indice dans le titre.
Notre avis : **

Arni THORARINSSON

L’auteur : Un rockeur, un vrai. Et cinéphile en plus. (Notre chouchou, donc.)
Genre : Polar chandlerien à l’heure de la mondialisation.
Héros : Einar correspondant du Journal du soir blasé, alcoolique en pause exilé par son chef dans le Nord de l’Islande histoire de lui apprendre le savoir-vivre en open-space.

Le Septième fils (Métailié)
Lieu : Isafoldur, capitale des fjords de l’ouest de l’Islande
Crime : Une maison qui brûle. Une tombe profanée. Des corps cramés dans un camion volé… Parmi les suspects : une star du foot, une presque Nouvelle star, un potentiel Premier ministre…
Notre avis : ****

Le Dresseur d’insectes (Points)
Lieu : Akureyri, quatrième ville du pays.
Crime : En pleine fête des commerçants, le corps d'une jeune fille est découvert dans une maison soit disant hantée, censée accueillir dans quelques jours le tournage d’un thriller érotique américain…
Notre avis : *****

Lire la critique du Temps de la sorcière (1er épisode) et du Dresseur d’insectes (2e volet).

Audur Ava OLAFSDOTTIR

L’auteur : La plus charmante révélation la rentrée littéraire de septembre.

Rosa candida (Zulma)
Genre : Road movie initiatique floral et gourmant.
Lieu : Inconnu.
Héros : Passionné d’horticulture, le naïf Arnljótur part en quête d’un mystérieux monastère pour y planter des boutures de Rosa candida et honorer une promesse faite à sa mère décédée. En chemin il croise un moine cinéphile, une fille avec qui il a couché "un quart de nuit" et une gamine qui pourrait bien être la sienne...
Notre avis : ***

Prochaine escale : la Norvège

Pour en savoir plus sur l’Islande et sa littérature : le blog de l’excellent traducteur Eric Boury.

Prolongez le plaisir avec le challenge du "mois nordique" chez Cryssilda.

Fatales Orientales (Christian Lacroix au Quai Branly)

2011-03-12T15:55:00.006+01:00

Le musée du Quai Branly rend un hommage poétique à la femme orientale à travers une exposition de vêtements traditionnels du siècle dernier confiée au couturier Christian Lacroix.

Raconter une histoire de la femme orientale à travers ses vêtements et confier la scénarisation de ce parcours esthétique et poétique au couturier de l’ultra féminité Christian Lacroix était une idée audacieuse. Le résultat est magique.

A travers des robes de fête, manteaux, voiles et coiffes datant pour la plupart de la fin du 19ème siècle à nos jours, c’est une chronique inédite de la vie des femmes syriennes, jordaniennes, palestiniennes et bédouines que propose le musée du Quai Branly. L’exposition révèle la force créatrice, l’imagination et les émotions de celles qui, durant des siècles, créèrent des modes pour s’embellir, mais aussi pour exister au sein de sociétés qui, souvent, les marginalisaient.

Ici, le visiteur est voyageur. Son périple débute dans une grotte libanaise où l’on découvrit, au cours de fouilles archéologiques, une robe de fillette du 13ème siècle. Puis il se laisse guider le long du "Croissant fertile" s’étendant du nord de la Syrie à la péninsule du Sinaï.

Dans cette région où les Occidentaux de passage "s’attendaient à des vêtements de pauvres paysannes", ils découvrirent "des costumes de ballerines d’opéra", écrivait en 1946 le géographe Jacques Weulersse (Paysans de Syrie et du Proche-Orient, Gallimard).

Comme eux, Christian Lacroix s’est laissé subjuguer par "la couleur des fils sur le coton noir, l’argent lamé ou la soie rayée des doublures, la coupe des robes ailées et la teinture des étoffes nouées". Il en découle une scénographie feutrée et chaleureuse.

L’événement a, une portée historique, ethnologique et même sociologique à l’heure où la « tenue islamique » gagne du terrain tandis que disparaissent les costumes traditionnels, derniers témoins d’un art vestimentaire séculaire. Plus qu’une exposition, un véritable hommage aux femmes.

"L’Orient des femmes vu par Christian Lacroix", jusqu’au 15 mai 2011 au Musée du Quai Branly

Positif, 600e ! (Les secrets de Michel Ciment)

2011-03-10T18:11:00.008+01:00

Excellent podcast réalisé au Forum des images par Télérama à l’occasion du 600e numéro de notre magazine fétiche Positif.

Michel Ciment, directeur de publication du mensuel y répond à tout un tas d’indispensables questions qui taraudent critiques professionnels et amateurs : "La critique doit-elle être polémique ?" (plutôt oui), "La mauvaise foi est-elle inhérente au métier de critique" (plutôt non), "André Bazin ou Jean-Louis Bory ?" (botte en touche…),

En prime, Michel Ciment nous livre sa recette pour la rédaction d’une bonne critique :

- capacité d’analyse
- enthousiasme
- gout de la découverte
- capacité à réaliser une évaluation esthétique
- capacité à hiérarchiser, à faire des choix
- sens de l'analyse
- volonté d'informer
- capacité à parler visuellement des films ("qui ne sont pas des romans")...

Lire l'interview de la critique italienne Paola Casella, premier épisode de notre série "Profession : film critic", sur le site du Syndicat de la critique.

Cap au Nord (Ciné Nordica, 3e édition)

2011-03-06T17:10:00.007+01:00

On craignait qu’il n’y ait jamais de troisième édition de l’excellent mais confidentiel festival parisien Ciné Nordica. Finalement, si, et le programme, bâti autour du thème des adaptations littéraires (salon du livre oblige), est à la hauteur de l’attente.

Au programme cette année…

De sombres histoires de familles

Beyond (Svinalängorna, mardi 8 mars à 15 heures), premier long métrage de Pernilla August oscille en présent et passé pour raconter l’histoire d’une fillette grandie dans les effluves d’alcool de parents qu’elle a tout fait pour oublier, jusqu’à ce que sa mère, mourante, insiste pour obtenir un dernier tête à tête. La rudesse de la mise en scène rappelle les années Dogma et tout le film repose sur la direction parfaite du couple d’acteurs Noomi et Ola Rapace.

Puisqu’on parle du Dogme, revoici Thomas Vinterberg avec son meilleur film depuis le fantastique Festen. Submarino, suit les destins parallèles de deux frères (Jakob Cedergren et Peter Plaugborg, sublimes) dans les faubourgs de Copenhague. Une tragédie désarmante et brillante, tout en clair-obscur, qui laisse le spectateur K.-O.

Et puisqu’on est désormais fan de Jakob Cedergren, pourquoi se priver de Terriblement heureux (lundi 7 mars, 19 heures), polar provincial d’Henrik Ruben Genz, qui voit un jeune flic un peu snob muté dans un trou paumé avec l’obligation de faire ses preuves.

Des thrillers

Les Millénium-addicts ont veillé toute la nuit dernière, enchaînant les trois volets de la plus célèbre trilogie policière suédoise : Les Hommes qui n’aimaient pas les femmes, de Niels Arden Oplev, suivi des deux films de Daniel Alfredson, La Fille qui rêvait d’un bidon d’essence et d’une allumette et La Reine du palais des courants d’air.

On aime toujours autant Easy money (Snabba cash, tiré du premier roman de Jens Lapidus, en salles le 30 mars), plongée noctambule inédite dans les bas-fonds de la capitale suédoise par Daniél Espinosa.

Et on se réjouit à l’idée de rencontrer Varg Veum, cousin norvégien de Kurt Wallander (version sobre et sexy), dont on découvrira deux enquêtes : La Femme dans le frigo, d’Alexander Eik (ce dimanche à 19 heures) et La Belle dormit cent ans, d’Erik Richter Strand (lundi 7 mars, 15 heures)

De noires histoires imaginées par Leena Lander

Ciné Nordica a choisi de projeter deux longs métrages adaptés de l’œuvre impitoyable et poétique de l’écrivaine finlandaise Leena Lander.

Tears of april (Käski, ce dimanche à 21 heures), d’Aku Louhimies (auteur du chef d’œuvre Frozen Land) revient sur un épisode oublié de l’histoire du pays – la guerre civile de 1918 entre "Rouges" sociaux-démocrates et "Blancs" anti-socialistes – et s’intéresse aux choix d’un tout jeune soldat (Samuli Vauramo), témoin impuissant des exactions de son armée commises contre les femmes de l’autre camp. Le film vogue avec brio d’un genre à l’autre (épopée historique, romance) avant de prendre une direction radicale et déconcertante qui divisera forcément le public : on adore ou on déteste.

La Maison des papillons noirs (mardi 8 mars, 17 heures), sur la vie en huis clos de gamins placés en maison de redressement sur une île, est le film le plus dur du petit génie finlandais Dome Karukoski (récemment découvert en France avec Very cold trip).

Des trolls flippants

Dans Troll hunter (Trolljegeren, lundi 7 mars à 21 heures), André Øvredal nous embarque dans une chasse aux trolls menée par un groupe d’étudiants convaincus que le gouvernement norvégien leur cache la vérité : l’existence de créatures géantes bien moins mignonnes qu’un Moomin.

Lire le compte-rendu de la précédente édition de Ciné Nordica

Prolongez le plaisir avec le challenge du "mois nordique chez Cryssilda"

61ème Berlinale : parcours hors-piste du journaliste Ali baba

2011-03-01T23:47:00.009+01:00

Cette année encore, on regrettera l’académisme rébarbatif de la compétition officielle. Heureusement, le festival de Berlin sait encore surprendre grâce ax trésors enfouis dans ses sections parallèles.

Dix jours à affronter un froid polaire et à se sustenter de "Dunkin donuts" et de bière blanche. Tout ça pourquoi ? S’il fallait se contenter de la Berlinale "officielle", le jeu n’en vaudrait pas vraiment la chandelle. La 61ème édition qui vient de s’achever n’a pas franchement rassuré les professionnels – journalistes cinéma et acheteurs du marché – qui s’inquiètent depuis deux ans au moins de l’avenir d’un festival de plus en plus académique.

L’Ours d’or a ainsi consacré le magnifique mais très classique Nader et Simin, une séparation, de l’iranien Asghar Faradi (Ours d'argent du meilleur réalisateur en 2009 avec A propos d’Elly). Avant même sa projection à la presse, le film avait été « élu » par les critiques, sans doute portés par un vent de révolte venu du Maghreb et par les messages de soutien quotidiens au cinéaste Jafar Panahi. Condamné à six ans de prison et à vingt ans d’interdiction de tourner par le régime iranien, le réalisateur avait symboliquement été nommé membre du jury présidé par Isabella Rossellini.

Si ce prix est clairement politique, il n’en est pas moins mérité, les autres films de la compétition se situant loin derrière, à une exception près : le majestueux mais terriblement austère Cheval de Turin, du revenant hongrois Béla Tarr.

Nader et Simin, une séparation

Quelques déceptions donc, et pourtant on ne s’est pas ennuyée : le festival de Berlin est une caverne d’Ali Baba pour qui a le courage de fouiner dans ses sections parallèles. En particulier le Forum (45 films) et le Panorama (49 films). (Sans compter, pour les temps morts, une sublime rétrospective consacré à Bergman.)
Divorces en série

A Berlin, les lunes de miel prennent fin. Suivant l’exemple de Nader et Simin, Sophie et Jason, les apathiques trentenaires du joli The Future, de Miranda July, envisagent d’adopter un chat malade pour redonner du peps à leur couple qui n’a jamais vraiment décollé.

The Future

Dans le trop long et lent Come Rain, Come Shine, du coréen Lee Yoon-ki, un homme et une femme étonnement jeunes pour s’ennuyer dans un triplex aussi luxueux, attendent la fin d’une averse pour se séparer à jamais.

Pour les histoires qui finissent bien, mieux vaut lorgner chez les ados. Submarine, premier long métrage de Richard Ayoade (en salles le 13 juillet), est l’une des révélations du festival. Craig Roberts y incarne Oliver, 15 ans, un gamin comme tous les autres — amoureux, largué par la complexité féminine et dégoûté par la bêtise adulte — mais qui y fait face avec une imagination un peu trop débordante. Un petit bijou de poésie, de finesse et d’humour british.

Submarine

Têtes blondes et têtes à claques

L’autre bonne surprise nous vient de France : après le bouleversant Naissance des pieuvres, Céline Sciamma confirme son talent sensible avec Tomboy (En salles le 20 avril), histoire d’une petite fille (Zoé Héran) se faisant passer pour un garçon et que pour rien au monde on aurait voulu voir confier à d’autres mains.

The Prize, récit partiellement autobiographique de Paula Markovitch, raconte en creux les heures les plus sombres de la dictature argentine. Fuyant le régime, l’héroïne et sa mère vivent recluses dans une cabane au bord de l’eau, jusqu’à ce que l’enfant insiste pour aller l’école… Souvent maladroit et répétitif, ce premier film laisse néanmoins un agréable goût de sel et de sable que l’on doit à l’incroyable petite actrice, Paula Galinelli Hertzog, dont le jeu sincère est nuancé étonne.

Tomboy

On aurait aimé que SJ Clarkson fasse preuve d’autant de finesse pour raconter dans Toast l’histoire vraie du chef anglais Nigel Slater (Freddie Highmore, assez agaçant dans le film), dont l’ascension en cuisine fut semée de terribles embûches (parents amateurs de conserves, belle-mère cordon bleu mais atrocement jalouse interprétée par Helena Bonham Carter…).

Toast aura au moins eu le mérite d’ouvrir l’appétit du public, la Berlinale ayant eu l’excellente idée de le programmer dans le cadre d’une session "Cinéma culinaire " (Culinary cinema, 5ème édition). Douze films abordant les thématiques de la nourriture et de l’environnement avaient été sélectionnés, le plus convaincant étant le documentaire Jiro Dreams of Sushi, de David Gelb.

Nouvelle vague documentaire

A Berlin, la fiction patine, mais le documentaire se porte bien et ce sont deux maîtres du Nouveau cinéma allemand, Wim Wenders et Werner Herzog, qui nous en ont convaincu. Le premier avec le sublime Pina, consacré à la défunte chorégraphe. Le second avec l’étonnant Cave of Forgotten Dreams, passionnante exploration de la grotte Chauvet, en Ardèche, et de ses trésors paléolithique. Leurs deux films sont en 3D et rarement on avait vu l’exploitation du relief mise au service de la mise en scène avec autant d’intelligence (oui, on a vu Avatar).

Cave of Forgotten Dreams

A noter au passage, un incroyable documentaire salé-sucré (en 2D) : The Bengali detective. Durant des mois, le britannique Philip Cox a suivi les enquêtes improbables du meilleur détective de Kolkata. Rajesh Ji traque meurtriers, petits voleurs et maris infidèles le jour. Le soir, il est un père de famille modèle et l’époux aimant d’une femme mourante. Le week-end, il s’entraîne avec son équipe de fins limiers pour l’équivalent bollywoodien de la Star Ac. Rajesh est un héros "bigger than life" comme on croise trop peu. Sauf à Berlin.

The Bengali detective

Palmarès du 61ème Festival de Berlin :

- Ours d'or du meilleur film : Nader et Simin, une séparation d'Asghar Farhadi
- Grand Prix du jury : Le Cheval de Turin de Bela Tarr
- Ours d'argent du meilleur réalisateur : Ulrich Köhler pour Schlafkrankheit (La Maladie du sommeil)
- Ours d'argent de la Meilleure actrice : l'ensemble des actrices de Nader et Simin, une séparation
- Ours d'argent du Meilleur acteur : l'ensemble des acteurs de Nader et Simin, une séparation
- Ours d'argent du meilleur scénario : The Forgiveness Of Blood par Joshua Marston et Andamion Murataj
- Ours d'argent pour une contribution artistique exceptionnelle : Wojciech Staron (meilleure photographie) et Barbara Enriquez (meilleure direction artistique), tous deux pour The Prize de Paula Markovitch
- Meilleur premier film : On the Ice de Andrew Okpeaha MacLean
- Prix de l'innovation (Prix Alfred Bauer) : Wer wenn nicht wir (If Not Us, Who) d'Andres Veiel
- Ours d'or du meilleur court métrage : Night Fishing de Park Chan-Wook et Park Chan-Kyong
- Ours d'argent du court métrage, prix du jury : Broken Night de Yang Hyo-joo
- Mention spéciale du court métrage : Fragen an meinen Vater de Konrad Mühe
- Prix Fipresci : The Turin Horse (Béla Tarr) ; Dernier étage gauche gauche (Angelo Cianci) ; Heaven’s Story (Zeze Takahisa)

No country for young girls (rencontre avec Hailee Steinfeld)

2011-02-23T22:03:00.002+01:00

L’Ouest américain n’est pas une contrée pour les jeunes filles et pourtant, Hailee Steinfeld est la révélation de True Grit, le dernier film des frères Coen. Rencontre avec une cow girl haute comme trois pommes.

En dehors de votre âge – 14 ans — quels sont vos points communs avec le personnage de Mattie ?

Pour commencer, nous sommes prêtes à tout pour arriver à nos fins. Ensuite, nous sommes toutes les deux à l’aise en compagnie d’adultes, ce qui ne signifie pas que j’ai envie de grandir trop vite… Le scénario de True grit m’a séduite de la première à la dernière page et c’est parce que je me suis sentie aussi proche de l’héroïne que j’ai pu me glisser aussi facilement dans ses bottes.

Comment vous sentiez-vous face à des acteurs comme Jeff Bridges, Matt Damon et Josh Brolin ?

J’avais huit ans quand j’ai décidé de devenir actrice et je n’ai étudié l’art dramatique que durant un an, le temps de rassurer mes parents sur ma motivation. Tourner avec Jeff, Matt et Josh a été une bénédiction : il suffit de les observer pour apprendre. Je n’ai même pas eu besoin de leur poser la moindre question.

Comment sont les frères Coen au quotidien ?

Ce sont des génies ! J’admire leur complicité sur le tournage. Je ne sais pas si je serais capable de supporter mon frère au point de travailler avec lui 24 heures sur 24. Ce sont d’excellents réalisateurs, mais aussi de brillants scénaristes. Tout est tellement simple avec eux… Ils m’ont fait découvrir ce qu’était vraiment le cinéma.

Quels sont vos prochains projets ?

En ce moment je reçois pas mal de scénarios, mais je me laisse le temps de réfléchir. Ma priorité reste de jouer, mais durant le tournage de True grit je me suis intéressée de très près au travail de réalisation et je crois qu’un jour, je serai tentée. En attendant, je me suis mise à la photographie. C’est Jeff qui m’a transmis sa passion…

Propos recueillis à Paris en décembre 2010.

Cow-boys à l'ouest (True Grit)

2011-02-23T21:55:00.002+01:00

Ne pas se fier au classicisme apparent du nouveau Coen : True grit et son héroïne haute comme trois pommes infiltrée chez les cow-boys soulards renouvèle bel et bien le genre du western.

Promue chef de famille suite à la disparition de son père, une adolescente têtue et revancharde décide de se faire justice elle-même et se lance dans un périple initiatique au cœur de territoires oubliés et hostiles…

Dans Winter’s bone, western rural et contemporain planté en pleine forêt des Ozarks, Debra Granik abordait "l'Amérique profonde" avec une poésie rassurante, parfois même folklorique. Comme elle, Joel et Ethan Coen infligent à leur héroïne un passage précoce et douloureux à l’âge adulte. Mais ils la malmènent plus sévèrement encore que la jolie Ree Dolly (Jennifer Lawrence) de Granik : Mattie (Hailee Seinfeld) est impitoyablement privée des traditionnels attributs de la jeunesse (humour, légèreté) et de la féminité naissante. Sa psychorigidité en devient bouleversante.

Adaptation pimentée bien que formellement très classique du roman éponyme de Charles Portis, True Grit renouvelle un genre que les deux frères adulent tout en ripant vers la parodie respectueuse lors de scènes de bravoure surréalistes. On retrouve le cynisme insolent et le piétinement sadique de toute morale qui firent de firent de Fargo ou de No country for old men des chefs d’œuvre du film noir. Un western brillamment bavard dont on ne perd par une miette.

True Grit, de Joel et Ethan Coen (sortie le 23 février 2011)

Pete save the Queen (Les Carnets d'Albion)

2011-02-22T15:19:00.004+01:00

L’ex leader des Libertines se livre dans un journal intime insolent, inspiré et brillant. De la poésie rock à l’état pur.

Les Carnets d’Albion, c’est l’histoire vraie d’un garçon qui voulait être roi. Un authentique poète passé par les cases prison, désintoxication et rédemption. Un gamin ambitieux et fauché en quête "de profondeur, de grâce et de charme", convaincu que sa musique sauvera le monde ou, à défaut, l’Angleterre.

Entamé à l’adolescence, ce journal intime compile dans un joyeux bordel dessins, photographies, collages, fulgurances et paroles de chansons que l’éditeur a eu la bonne idée de reproduire intégralement. D’une écriture nerveuse, lyrique et intense, Doherty y consigne ses premiers souvenirs de concerts, sa vie sentimentale décousue, sa frayeur à l’idée de devenir père et son addiction inquiétante au poulet frit.

Depuis le dernier rang du cinéma Prince Charles qui l’emploie comme caissier, il mate The Big Lebowski la clope au bec ou peaufine des plans foireux pour échapper à ses créanciers. La littérature l’obsède (Baudelaire, Rimbaud, Oscar Wilde ou William Blake, père du personnage d’Albion).

Le rock aussi, évidemment : The Clash, The Smiths, The Kinks, The Sex Pistols… Le fils de militaire fait du libertinage une revendication politique et du chapeau melon, sa signature, quitte à se faire tabasser par les skins du quartier.

Sur son idylle avec Kate Moss, le chanteur s’étend peu, ce qui confirme la sincérité d’un projet touchant, parfois maladroit et finalement peu commercial. Il aborde le sujet par touches pudiques : de jolis clichés vintage et quelques lignes éperdues d’amour, fascinées par la "beauté odieuse et sans fard" du top avec qui il se bagarre passionnément.

Peter aime les femmes, les drogues et l’alcool mais la perspective d’une éternelle gueule de bois ne semble pas l’effrayer. Seule compte son projet fou: donner à l’époque un nouveau souffle.

Les Carnets d’Albion, de Peter Doherty (Florent Massot)

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Le coeur des hommes (Very cold trip, de Dome Karukoski)

2011-02-09T01:20:00.005+01:00

Quatrième long métrage de Dome Karukoski, véritable promesse du cinéma finlandais, Very cold trip est une étude de mœurs déguisée en road trip régressif entre losers. Un bijou de farce pince-sans-rire.

Humour noir : "forme d’humour qui souligne avec cruauté, amertume et parfois désespoir l’absurdité du monde, face à laquelle il constitue une forme de défense", annonce l’infaillible Wikipédia. On serait tenté d’ajouter : "genre très souvent exploré par le cinéma nordique et dans lequel Dome Karukoski, 34 ans, vient de s’illustrer de façon très prometteuse". Very cold trip, son quatrième long métrage – et sa première comédie — est un petit bijou de farce pince-sans-rire.

Ainsi, en guide de séquence d’ouverture, le réalisateur finlandais nous présente la silhouette décharnée d’un arbre solitaire auquel cinq générations d’hommes d’une même famille sont venues se pendre. Nous sommes en Laponie, région brûlée par un soleil inépuisable en été, plongée dans les ténèbres tout l’hiver, sinistrée par le chômage et dotée d’un taux de suicide record…

"Pekko Pesonen, le scénariste, avait déjà réalisé un documentaire sur ce sujet. Nous aurions pu en faire un drame, mais je trouvais trop facile et peu respectueux pour les habitants de cette région d’aborder la difficulté de leur quotidien sous cet angle, explique Karukoski. La tragicomédie réaliste s’est donc imposée à nous."

L’épisode de l’arbre passé, Karukoski n’entre toujours pas dans le vif du sujet. Il nous rend spectateur d’un match de hockey sur glace qui traumatisa le pays en 1995 : alors qu’elle menait au score, la Finlande s’est laissée rattrapée par la Suède qui remporta la finale de la coupe du monde.

Passage suivant : une scène de ménage entre Janne, trentenaire chômeur et avachi (Jussi Vatanen, notre futur héros) et Inari, sa sublime petite amie (Pamela Tola). Trois ans qu’elle lui demande en vain d’acheter un décodeur pour la télé et qu’il n’a rien d’autre à faire de ses journées… Après avoir manqué une énième soirée en amoureux devant Titanic, la belle le met à la porte avec un ultimatum : ramener un "digibox" avant l’aube ou la rupture sera définitive. De l’action, enfin !

En prenant le temps de contextualiser son récit, Karukoski nous glisse dans la peau de ce qu’il appelle un "Finlandais symbolique". "Chez nous beaucoup d’hommes ont du mal à comprendre ce qui leur arrive. Ils ont grandi dans une société patriarcale qui est désormais dirigée par les femmes : nous avons une Présidente, une Premier ministre et dans les familles, ce sont de plus en pus les femmes qui décident. Parfois, ce sont même elles qui rapportent l’unique salaire. Ajoutez à cela un complexe d’infériorité culturel face à notre voisin, la Suède, et vous comprendrez le sentiment de honte que peut ressentir un jeune finlandais de nos jours."

Dans le cas d’ados attardés comme Janne et ses copains — le dépressif Kapu (Jasper Pääkkönen) et le puceau Räihänen (Timo Lavikainen) — on peut encore parler de voyage initiatique pour désigner le périple à rebondissements qui les attend. Comme beaucoup de road movies, Very cold trip est rythmé par une succession d’événements improbables — panne d’essence, panne de fric, panne sexuelle, rencontres du troisième ou du quatrième type… — les éloignant de leur graal. C’est là le seul point commun avec le potache Very bad trip ayant inspiré le titre français. Hilarant, le film de Todd Phillips n’en présentait pas moins le (nouveau) sexe fort sous un jour misogyne assez agaçant. Ici au contraire, Inari a toutes les cartes en main, même si la part féminine du public s’interrogera sans doute longtemps sur les secrets de longévité de son couple avec un loser de première.

Evidemment, Karukoski s’autorise quelques gags régressifs tendance couillons, mais Very Cold Trip (Lapland Odyssey à l’international) est avant tout une réflexion sociétale élégamment menée. Le chapitrage un peu théâtral et l’ascension tragicomique vers l’absurde évoquent le fantastique Frozen land d’Aku Louhimies (où l’on croisait déjà Jasper Pääkkönen et Pamela Tola) ainsi que quelques autres chefs d’œuvre du cinéma finlandais contemporain, mais Karukoski apporte sa pierre très personnelle à l’édifice. Fermez les yeux, on se croirait par moment chez Ennio Morricone, tant la bande-son, ethnico-folk composée par l’Irlandais Lance Hogan – étonnamment proche de certains airs lapons — insuffle à cette épopée un souffle d’espoir euphorisant. Ouvrez-les à nouveau et admirez l’insolence froide de la mise en scène : les frères Coen semblent avoir fait des émules près du cercle arctique.

Pour la première fois en Finlande, une comédie a fait un quasi carton plein auprès du jury des Jussi Awards (équivalent de nos César) : dimanche dernier, Very cold trip a été consacré "meilleur film", "meilleur réalisateur", "meilleur scénario" et a reçu le prix du public. Surpris, ému, Dome Karukoski a oublié de citer sa mère durant la traditionnelle séance de remerciements. Il ne s’en est toujours pas remis. Heureusement, les femmes finlandaises sont magnanimes. A condition qu’on fasse ses preuves.

Very cold trip, de Dome Karukoski, avec Jussi Vatanen, Pamela Tola, Jasper Pääkkönen et Timo Lavikainen (en salles le 9 février 2011)

Chaos dedans (Cette vie ou une autre de Dan Chaon)

2011-01-27T23:46:00.003+01:00

Les vies, les identités, les secrets de famille… Tout n’est qu’apparence dans ce roman faussement labyrinthique où se croisent des personnages en fuite et d’autres qui les traquent.

Lucy, la lycéenne, quitte tout pour suivre son ténébreux professeur dont elle ne sait rien. Miles recherche son jumeau, sans doute le meurtrier de leurs parents. Ryan fugue en apprenant qu’il a été adopté…

Virtuose hériter de Don DeLillo et Joyce Carol Oates, inspiré par Nabokov autant que par Lovecraft, Dan Chaon (déjà remarqué avec son Livre de Jonas), interroge la virtualité des relations humaines et tisse avec élégance un écheveau de liens (de barbelés plutôt) entre des personnages qu’il autorise à se réinventer, interprétant ainsi à la lettre les promesses du rêve américain. Les indices sont disséminés jusqu'à la dernière page. Un chef d’œuvre halluciné, sombre et déroutant.

Cette vie ou une autre, de Dan Chaon (Albin Michel)

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Pieds à terre (Les Chemins de la liberté, de Peter Weir)

2011-01-26T01:00:00.002+01:00

Sept ans après Master and Commander, Peter Weir reprend la caméra pour raconter l’épopée pédestre de prisonniers échappés du goulag. Les Chemins de la liberté est agistralement filmé mais trop académique.

1940. Des prisonniers envoyés au goulag pour des raisons qui nous importent peu parviennent à s’échapper et entament une interminable marche à travers la toundra, les plaines de Mongolie et le désert de Gobi dans l’espoir d’atteindre un territoire qui ne soit pas communiste.

Guéri de ses trois derniers projets avortés, Peter Weir renoue avec quelques unes de ses obsessions. Comme le majestueux et maltraité Master and commander (2003), Les Chemins de la liberté s’inscrit dans la tradition oubliée du film d’aventure historique sans fioritures (malgré un titre ultra pompeux) : le scénario s’en tient à l’essentiel – une histoire de survie, ne s’encombrant d’aucune love story, vengeance ou autre possible artifice. Comme dans Pique-nique à Hanging Rock (1975), le réalisateur australien confronte ses protagonistes à leur destin et à une nature sublime et hostile.

Durant 2h15 on suit donc pas à pas, de tragédies en petites victoires, l’avancée de la petite troupe dont les rangs maigrissent inéluctablement. Réchapper du blizzard grâce à des masques taillés dans l’écorce d’un bouleau, tromper les moustiques grâce à collier d’herbes, découvrir un filet d’eau sur une terre aride… Ce film est beau parce qu’il fait de la routine un ressort dramatique. On ne souhaite qu’une chose : qu’ils avancent encore, à tout prix. L’odyssée des marcheurs se double, pour le spectateur, d’un voyage intérieur.

Pour Peter Weir malheureusement, beau ne suffit pas. A près tant d’absence, on attendait du grandiose, ce qui est évidemment profondément injuste. Weir semble amputé d’une partie de sa folie. Trop timide. Trop tiède. Son souci d’honnêteté et de respect du strict déroulement des faits est flagrant et le bride, ce qui se révèle d’autant plus inutile que le livre-témoignage de Slavomir Rawicz dont il s’est inspiré relèverait en grande partie de la fiction (l’auteur ne se serait pas échappé, il aurait bénéficié d’une amnistie).

Quoi qu’il en soit, peu importe, Peter Weir n’est pas documentariste. Et puisqu’en compagnie de son directeur de la photographie attitré Russell Boyd il a su exploiter démesurément le médium cinématographique pour magnifier la nature, il aurait pu faire preuve d’autant d’imagination dans le traitement de ses personnages et de leurs interactions.

Côté casting il y avait d’ailleurs matière avec un Ed Harris égal à lui même – classique mais parfait –, un Colin Farrell étonnamment crédible en brigand russe mi-tueur, mi-cabot et une Saoirse Ronan bien plus juste et touchante que dans le soporifique Lovely Bones qui l’avait révélée. Seul Jim Sturgess se révèle trop inégalement charismatique pour incarner le leader de la bande.

Qui aime bien châtie peut-être un peu trop. Depuis les classiques de l’âge d’or hollywoodien, peu de réalisateurs savent encore filmer l’héroïsme sans tomber dans le patriotisme pompier.

Les Chemins de la liberté, de Peter Weir, avec Jim Sturgess, Ed Harris, Colin Farrell, Saoirse Ronan (En salles le 26 janvier 2011)

Le bon et la brute (Angèle et Tony d'Alix Delaporte)

2011-01-25T21:42:00.002+01:00

Grâce à une petite annonce, Angèle (Clothilde Hesme) déboule en Normandie et dans la vie de Tony, marin pêcheur (le sociétaire de la Comédie française Grégory Gadebois, une révélation). Ancienne détenue, elle veut un homme à tout prix pour récupérer la garde de son fils.

Tony est trop tendre. Elle, trop brute. Trop belle aussi. Insaisissable. Il la repousse, elle s’accroche.

La romance est délicieuse parce qu’improbable mais ce n’est pas tout ce qui fait le charme de ce portrait de familles décomposées. Le microcosme de ce petit port de pêche est raconté avec justesse, sans tomber dans la rudesse d'un film purement social.

Avec douceur et patience, Alix Delaporte observe le rapprochement de solitudes larguées en bord de mer. Angèle et Tony ne contient aucun effet de manche et laisse le beau rôle à deux acteurs aussi sublimes que mystérieux.

Angèle et Tony, d’Alix Delaporte (En salles le 26 janvier)

Tête d'affiche (Michal Batory aux Arts déco)

2011-01-21T16:48:00.002+01:00

Un coton tige prolonge les branches d’un diapason. Un oreiller devient "buste sur le lit". Un sac plastique se transforme en figure humaine.

Insatiable rêveur, l’affichiste Michal Batory métamorphose la banalité du quotidien en images poétiques que ses "clients" (le Centre Pompidou, le Théâtre Chaillot…) placardent dans les rues pour y imprégner l’inconscient collectif.

Influencé par les artistes constructivistes russes comme Rodchenko (lui est né en Pologne en 1959) aussi bien que par les surréalistes, il a su inventé un vocabulaire plastique insolite, drôle et touchant, "beau comme la rencontre fortuite d’un parapluie et d’une machine à coudre sur une table de dissection" (André Breton).

Entre le monde de la culture et le public il faut parfois des passeurs. Batory en est l’un des visages les plus talentueux.

Du 20 janvier au 22 mai aux Musées des arts décoratifs de Paris (1)

Palmarès cinéma 2011 (avec un peu d'avance)

2011-01-01T18:39:00.010+01:00

La patience étant un vilain défaut, voici dès maintenant un classement des 12 films les plus marquants de 2011, vus (et aimés) avec un peu d’avance… Le but étant, évidemment, de changer d’avis très rapidement.

1/ Easy money, de Daniél Espinosa (Sortie le 6 avril 2011)

Un latino échappé de prison s’attaque à un gang de dealers serbes qui lui colle aux basques un tueur à gages serbe en plein drame familial. Un gamin de la classe moyenne fasciné par les gosses de riches de son école de commerce rêve de flamber à son tour dans les boîtes de la Stockholm…

Intelligent, palpitant, sexy, Easy money (Snabba cash)* propose une plongée noctambule inédite dans les bas-fonds de la capitale suédoise. Le meilleur film de gangsters scandinave depuis la trilogie Pusher, de Nicholas Winding Refn.

* Adaptation du premier tome de la trilogie Stockholm noir de Jens Lapidus (Plon)

2/ Winter’s bone, de Debra Granik (Sortie le 2 mars 2011)

A travers le personnage de Ree Dolly – adolescente au présent bouleversé par le passé criminel de son père – Debra Garnik dresse le portrait troublant d’une communauté rurale en plein désespoir, sans jamais tomber dans les pièges qui accompagnent souvent ce type d’histoires – le mélodrame ou l’exotisme – et se concentre sur une peinture très juste du réel et de la complexité des êtres. Une expérience d’une intensité rare, portée par l’incroyable performance de la jeune et prometteuse Jennifer Lawrence.

3/ Somewhere, de Sofia Coppola (Sortie le 5 janvier 2011)

Johnny Marco (Stephen Dorff), acteur hollywoodien à la réputation sulfureuse et fraîchement divorcé rumine le vide existentiel de son existence dans une chambre du mythique palace californien Château Marmont jusqu’à l’arrivée impromptue et rédemptrice de Cléo, sa fille de 11 ans (Elle Fanning).

Après le fastueux Marie-Antoinette, Sofia Coppola, réalisatrice rare et surdouée, revient à un cinéma plus dépouillé et aux plans séquences mélancoliques dans couloirs d’hôtel, déjà magnifiquement explorés dans Lost in translation. Une évocation délicate et personnelle de la relation père-fille sacrée par le Lion d’Or au dernier festival de Venise.

4/ Black Swan, de Darren Aronofski (Sortie le 9 février 2011)

Deux ans après The Wrestler (Lion d’or à Venise en 2008) Darren Aronofsky poursuit son entreprise de dissection du corps humain et de ses métamorphoses à coups de gros plans en caméra portée avec cette plongée organique dans les angoisses de Nina (Natalie Portman), étoile montante du New York City Ballet obsédée par ses auditions pour le "Lac des cygnes" et dont la chair se transforme au fur et à mesure de son apprentissage d’une sensualité indispensable au personnage...

Envoûtante en "cygne-garou "schizophrène (dixit Aronofsky), Natalie Portman entre avec grâce dans la course aux Oscars, talonnée par sa "rivale" dans le film, Mila Kunis (déjà sacrée meilleur espoir à Venise).

5/ True grit, de Joel et Ethan Coen (Sortie le 23 février 2011)

Une adolescente de 13 ans (Hailee Seinfeld, une révélation) engage un chasseur de têtes (Jeff Bridges) pour venger la mort de son père…. Les frères Coen avaient déjà approché le genre du western avec l’excellent No country for old men. Leur adaptation de True grit, le sombre roman de Charles Portis* est grandiose : son petit bout d’héroïne illumine de fraîcheur l’univers viril de ces cow boys solitaires (Bridges donc, mais aussi Matt Damon et Joh Brolin).

* True grit, de Charles Portis, aux éditions Le Serpent à plumes le 20 janvier

6/ Very cold trip, de Dome Karukoski (Sortie le 9 février 2011)

Un trentenaire hirsute et fainéant (Jussi Vatanen) se voir poser un ultimatum par sa sublime petite amie (Pamela Tola) : trouver un décodeur avant l’aube s’il ne veut pas se faire larguer. Le voilà donc lancé sur les routes glacées de Laponie avec ses deux meilleurs amis (un névrosé obsédé par le suicide et un puceau harcelé par sa mère).

L’humour est glacial et l’épopée, improbable et déjantée. Le résultat : un ovni drôle et touchant venu de très très loin au nord, par un talent montant du cinéma finlandais.

7/ Santiago 73, Post mortem, de Pablo Larrain (Sortie le 16 février 2011)

Santiago du Chili, 1973. Un employé de la morgue amoureux d’une danseuse étoile sur le déclin (Alfredo Castro) se voit confier la rédaction du rapport d’autopsie du président Allende, décédé durant le coup d’Etat.

Aussi sombre et déroutant que l’était Tony Manero, Santiago 73, Post mortem mêle petite et grande histoire pour raconter les années noires du Chili. Brillant.

8/ Incendies, de Denis Villeneuve (12 janvier 2011)

Deux jumeaux grandis au Québec découvrent dans une lettre les dernières de leur mère : retrouver, quelque part au Moyen Orient, un père qu’ils croyaient mort et un frère dont ils ignoraient l’existence.

Avec la puissance fascinante et excessive d’un tragédien grec, Denis Villeneuve porte sur grand écran l’inadaptable pièce du dramaturge Wajdi Mouawad. Un film coup de théâtre et coup de poing.

9/ Largo Winch 2, de Jérôme Salle (Sortie le 16 février 2011)

Oui, parfaitement, Largo Winch, cette fois-ci accusé de crime contre l’humanité. La preuve de son innocence se trouve au fin fond de la jungle birmane et le sexy et polyglotte baroudeur (Tomer Sisley) va devoir bander les muscles encore plus fort pour se sortir de ce mauvais pas.

Plus tonitruant encore que sa première partie, LW2 ne lésine sur aucun rebondissement improbable et c’est tant mieux : vissé à son siège on ne perd pas une miette de ce blockbuster à la française. Moins largocentré que l’épisode précédent, LW2 offre d’avantage d’espace à d’autres personnages : le tordant et précieux majordome Gauthier (Nicolas Vaude), le meilleur ami coureur de bikinis Simon Ovronaz (Olivier Barthelemy) et, en guest star, une magistrate de La Haye cougar et nymphomane plantée par Sharon Stone.

10 / Le discours d'un roi, de Tom Hooper (sortie le 2 février 2011)

A la lecture du pitch on s'était rendu à la projection à reculons : Le Discours d'un roi suit l'apprentissage de l'estime de soi par le futur roi Georges VII (père de son actuelle sérénissime), forcé de succéder à son frère sur le trône d'Angleterre alors qu'il est incapable de s'exprimer en public...

Et pourtant ! Colin Firth campe un monarque fragile et touchant dont on suit pas à pas les progrès avec la tendresse inquiète d'une mère poule. Débarrassée de son habituel grimage burtonien et de ses postures hystériques, Helena Bonham Carter redevient agréable à nos yeux et incarne une épouse et femme de tête tout à fait convaincante. Rendez-vous aux Oscars.

11/ Il était une fois un meurtre (The Silence), de Baran Bo Odar (sortie en avril 2011)

1986, dans une campagne allemande. Deux hommes au volant d’une voiture rouge suivent une adolescente à bicyclette. L’un d’eux, la rattrape au milieu d’un champ de blé, la viole et l’assassine sous les yeux du second qui s’enfuit.

Aucun mystère sur les coupables de ce crime dont l'identité est révélée dès la scène d’ouverture. Ce qui ne suffit pas forcément à leur imputer la disparition d’une nouvelle jeune fille, au même endroit, vingt-trois ans plus tard… Un thriller psychologique déconcertant.

12 / Angèle et Tony, d’Alix Delaporte (Sortie le 26 janvier)

Grâce à une petite annonce, Angèle (Clothilde Hesme) déboule en Normandie et dans la vie de Tony, marin pêcheur (Grégory Gadebois). Ancienne détenue, elle veut un homme à tout prix pour récupérer la garde de son fils. Tony est trop tendre. Elle, trop brute. Trop belle aussi. Insaisissable. Il la repousse, elle s’accroche.

La romance est délicieuse parce qu’improbable mais ce n’est pas tout ce qui fait le charme de ce portrait de familles décomposées. Avec douceur et patience, Alix Delaporte observe le rapprochement de solitudes larguées en bord de mer. Un film sans effets de manche qui laisse le beau rôle à deux acteurs sublimes.

En bonus, un film à ne surtout pas voir :

La solitude des nombres premiers, de Saverio Constanzo (sortie le 23 mars 2011)

Preuve qu’un excellent roman ne fournit pas nécessairement la matière à un bon film. Impossible de rentrer dans cette histoire d’amour/amitié entre deux êtres différents de tous les autres. Bouleversants dans le livre de Paolo Giordano, ils deviennent de tristes freaks dans ce trop long métrage qui mange à tous les râteliers (drame, horreur, comédie romantique). En prime : une bande-son techno criarde et has-been.

Tambours battants (Sound of noise, de Simonsson & Stjärne)

2010-12-28T21:54:00.008+01:00

Six "terroristes" musicaux décident de se réapproprier leur ville en lui offrant le "concert du siècle". Sound of noise, de Ola Simonsson et Johannes Stjärne, est un thriller excentrique, drôle et passionnant sur la place de l’art dans l’espace urbain.

Né dans une illustre famille de mélomanes, l’ennuyeux Amadeus (Bengt Nilsson), policier de son état, abhorre la musique. Sa vie bascule quand on le charge de traquer les "Six Drummers", un groupe de "terroristes musicaux" exaspérés par les pollutions sonores et bien décidés à offrir à cette ville trop bruyante un "concert apocalyptique" dont elle se souviendra.

Poursuivant une réflexion sur la place de l’art dans l’espace urbain entamée dans leur brillant court métrage, Music for One Appartment and Six Drummers (2001), Ola Simonsson et Johannes Stjärne réalisent leur premier long. Il y a dix ans, le sextuor fou s’introduisait chez des inconnus et improvisait leurs compositions musicales avec les moyens du bord (tables, chaises, casseroles…). Désormais ils voient plus grand et s’attaquent à une ville toute entière, Malmö, pourtant réputée pour sa prise en compte des questions environnementales.

Malheureusement, en passant du court au long, le scénario s’est alourdi de scènes intermédiaires sans doute rassurantes pour les producteurs (l’intrigue romantico-policière), mais d’un classicisme insultant pour deux imaginations aussi fertiles que celles de Simonsson et Nilsson.

Dans les six scènes "d’attentats" en revanche (dans un hôpital, une banque, sur le parvis d’un opéra…), les deux réalisateurs laissent carte blanche à leur oreille musicale ultra sensible. Le résultat est sauvage, hilarant et c’est tout ce qu’on retiendra de ce thriller excentrique à (ré)écouter les yeux fermés.

Sound of noise, de Ola Simonsson & Johannes Stjärne Nilsson (En salles le 29 décembre)

Le court métrage Music for One Appartment and Six Drummers :

Palmarès de l'année cinéma 2010

2010-12-27T16:35:00.013+01:00

De l'année cinéma qui vient de s'écouler, on retiendra surtout ces quelques films, inutilement et subjectivement classés, juste pour le plaisir de s'adonner à l'art de la liste.

1/ The Social network, de David Fincher

2/ Submarino, de Thomas Vinterberg

3/ Lenny and the kids, de Josh & Benny Safdie

4/ Oncle Boonmee (celui qui se souvient de ses vies antérieures), d’Apichatpong Weerasethakul

5/ Fantastic Mr Fox, de Wes Anderson

6/ Monsters, de Garreth Edwards

7/ We are four lions, de Chris Morris

8/ Nord, de Rune Denstad Langlo

9/ Tournée, de Mathieu Amalric

10/ Tamara Drewe, de Stephen Frears

11/ Armadillo, de Janus Metz

12 / Adieu Falkenberg, de Jesper Ganslandt

13/ Police, adjectif, de Corneliu Porumboiu

14/ Rubber, de Quentin Dupieux

15/ La Vie au ranch, de Sophie Letourneur

& Belle épine, de Rebbeca Zlotowski

Meilleure ressortie : En présence d’un clown, d’Ingmar Bergman

Meilleure série : Bored to death

Meilleur acteur : Jakob Cedergren, dans Submarino, de Thomas Vinterberg

Meilleure actrice : Yahima Torres, dans Vénus noire, d’Abdellatif Kechiche

Pire film de l’année : Miral, de Julian Schnabel (suivi de très près par Wall Street 2 et Sex and the city 2)

Rdv le 31 décembre pour le top 10 des meilleurs films de 2011...
(En attendant : le palmarès 2009)

Petits soldats plombés (Armadillo, de Janus Metz)

2010-12-22T16:36:00.002+01:00

Durant six mois, Janus Metz a été autorisé à suivre une section de jeunes soldats dans la dangereuse province d’Helmand, au sud-ouest de l’Afghanistan. Dernière beuverie au pays, adieux aux familles en larmes… Les premières séquences d’Armadillo (grand prix de la Semaine de la critique à Cannes)– bruyantes et ultra rythmées – ressemblent à celles d’un film de guerre hollywoodien. Mais passée la découverte du camp et les montées d’adrénaline des premières patrouilles, l’excitation des troupes retombe : on leur avait promis de l’action, hors il ne se passe rien.

Metz assume un point de vue purement subjectif, excluant le monde extérieur de son cadre. Sa caméra n’offre à voir que ce que le soldat voit. Quand il s’affole et tombe, elle aussi et notre regard part avec elle vers le ciel. "Embedded" au sens propre, Metz réalise une plongée édifiante dans la psyché de ces jeunes recrues, qui toutes suivent le même schéma.

D’abord, la fascination pour tout ce qui les entoure. Puis, l’ennui : attente interminable d’un ennemi invisible, tentatives infructueuses de fraterniser avec une population qui n’a rien à gagner à collaborer avec l’occupant… Metz restitue parfaitement l’étouffante conscience du temps qui passe et de la mort qui rôde ainsi que le sentiment d’impuissance (voire, d’absurdité) gagnant tout soldat confronté à un adversaire dont il ignore tout. "Comment reconnaît-on un taliban d’un civil afghan ?", s’informe une nouvel arrivant. "Un taliban ressemble à un Afghan, sauf une fois qu’il a braqué son fusil sur toi", répond l’aîné dans une scène digne du Désert des tartares (1940), chef d’œuvre kafkaïen de Dino Buzzati.

Arrive ensuite l’ivresse de l’action quand, enfin, l’ennemi se découvre. Metz accompagne l’euphorie post-combat d’une bande-son sur-excitée qui contribua à alimenter la polémique autour d’Armadillo, accusé de glorifier la guerre et d’esthétiser l’horreur sans la dénoncer (la photographie, ultra léchée, ne colle pas avec l’image "réaliste" habituellement accolée au documentaire).

Réponse de l’intéressé : "J’ai voulu montrer que la guerre crée une sorte d’hyper-réalité dans laquelle il devient difficile d’évoquer la mort ou l’extrême violence. Bombardés d’informations et nourris de jeux vidéo, les jeunes gens du film ont du mal à se considérer comme des soldats au combat car ils n’arrivent plus à percevoir la réalité telle qu’elle est. C’est pour cela que le film offre une représentation poétique de la réalité".

Après la joie, les larmes et la colère. Les Danois connaissent leurs premières pertes et les médias évoquent des "bavures": un traître renseigne la presse depuis Armadillo. La paranoïa prend le relais et avec elle, le repli sur le groupe. La toute dernière étape dépendra de la capacité du soldat a prendre du recul : pour un seul, ce sera la désillusion. Sa mission terminée, il retournera à la vie civile. Pour les autres, l’aliénation : tous demanderont à repartir, si possible en Afghanistan.

Cette information livrée durant le générique final conclut une démonstration implacable bien que peu professorale. En se plaçant en retrait de son sujet (les anti-Armadillo auraient souhaité un commentaire en voix off), Janus Metz a adopté la distance parfaite des faux impassibles : le réalisateur interroge, il n’invente pas des réponses qu’il n’a pas.

(Extrait d'un article sur la présence occidentale en Afghanistan pour la revue de cinéma Séquences)

Armadillo, de Janus Metz (En salles)